Arsenevich: abril 2021

20 abril, 2021

Elizabeth Lo - Stray (2020)

Turco y otros | Subs: Castellano/English (muxed)

72 min | x-264 1920x1036 | 11,15 Mb/s | 640 kb/s AC3 | 23.976 fps
6,15 GB

Callejera*

[...] El primer largometraje documental de la directora Elizabeth Lo sirve de complemento a Kedi, la oda igualmente maravillosa de Ceyda Torun a Estambul y a los felinos callejeros de Turquía. Juntas, las dos películas constituirían el visionado nocturno perfecto para los amantes de animales en cuarentena con ansias de viajar, especialmente para cualquiera que ame la magnífica y sucia metrópolis del Bósforo.

Filmada aparentemente con una cámara baja sostenida durante gran parte del tiempo de duración a la altura de la cabeza de un perro, la película sigue a una pandilla de huérfanos caninos y humanos cuyos caminos se cruzan y convergen. Un trío de refugiados de habla turca procedentes de Siria vive en obras y portales ocupados, y la cámara se mantiene al margen y observa cómo aspiran pegamento de sus bolsas. El protagonista real es una perra callejera amarilla llamada Zeytin, probablemente un cruce de Labrador y algo, con los ojos más conmovedores que se puedan ver en cualquier película de este año. Arrastrando una pata ligeramente torcida y, a veces, haciendo compañía a su amiga canina Nazar -una señora oscura y más corpulenta de cierta edad-, Zeytin se junta con los chicos sirios y luego se va a buscar comida cuando le apetece, reina de la calle, alegremente despreocupada por los coches.

Las citas grandilocuentes de Diógenes sobre los perros, la filosofía y otras cosas que salpican la película no son realmente necesarias; la acción habla por sí misma. Quizá porque la especie protagonista es más dócil y menos tímida que el gato promedio, la película de Lo se acerca más a su heroína no humana que Kedi, creando un estudio más lírico y menos antropológico. Ese ambiente poético se ve reforzado por la partitura del compositor Ali Helnwein, centrada en el violonchelo, que sincroniza ágilmente con el montaje. Dicho esto, nada supera la interpretación vocal de la propia Zeytin al final, aullando de forma sobrecogedora junto a la llamada a la oración de un almuédano.

-- Todo el texto tomado de la crítica de Leslie Felperin en The Guardian

[...]Director Elizabeth Lo’s first feature-length documentary provides a companion piece to Kedi, Ceyda Torun’s equally wonderful ode to Istanbul and Turkey’s feral felines. Together, the two films would make the perfect night in of viewing for quarantined animal lovers with frustrated wanderlust, especially anyone who loves the magnificently grotty Bosphorus metropolis.

Filmed seemingly with a low-slung camera held for great chunks of the running time at dog-head height, the film follows a gaggle of orphans both canine and human whose paths intersect and converge. A trio of Turkish-speaking refugees from Syria live in squatted building sites and doorways, and the camera stands back and watches while they huff glue from bags and space out. The actual protagonist is a yellow mutt named Zeytin, a Labra-something cross probably, with the most soulful eyes you’ll see in any movie this year. Dragging a slightly crook leg and sometimes palling up with dog friend Nazar – a dark, stockier lady of a certain age – Zeytin hangs with the Syrian boys and then saunters off to look for food when the fancy takes her, queen of the road, blithely unconcerned about cars.

The spliced-in grandiloquent quotes about dogs and philosophy and whatnot from Diogenes that pepper the film aren’t really necessary; the action speaks for itself. Perhaps because the star species here is more biddable and less camera-shy than the average cat, Lo’s film stays closer to its non-human heroine than Kedi did, creating a more lyrical, less anthropological study. That poetic vibe is richly enhanced by composer Ali Helnwein’s keening, cello-centric score that’s nimbly synched up to the editing. That said, nothing tops the vocal performance from Zeytin herself at the end, howling hauntingly along with a muezzin’s call to prayer.

-- Al the text quoted is from the The Guardian review by Leslie Felperin

Blu Ray rip de origen desconocido

*El título es una traduccón directa del título internacional

Subs en castellano míos, traducidos de los poco confiables subs en inglés.

https://pixeldrain.com/u/erPiV1d3

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18 abril, 2021

Ted Kotcheff - Wake In Fright (1971)

Despertar en el infierno/Hombre sin mañana

Un joven maestro llamado John Grant (el actor Gary Bond) paga su deuda con el Estado, que subsidió su educación terciaria, no sin cierto dolor, dando clases en una escuela de Tiboonda, una localidad aislada en el infinito desierto australiano. Con el plan de visitar a su novia durante las vacaciones navideñas, Grant parte en el tren que debería conectarlo con el vuelo a Sydney, pero queda varado en el pueblo de Bundanyabba. Lo que sigue es el encuentro de dos mundos que Grant cree esencialmente distintos: el de un hombre con educación (él), y el de ese conjunto de “bestias” que viven para la bebida, el juego y las trompadas en un lugar en el que no parece haber nada mejor que hacer. Solo que, a poco de llegar, pierde todo su dinero en un raro juego de apuestas local y queda atrapado por la que él considera que es la “agresiva hospitalidad” de los locales. La anécdota termina siendo, como en muchas grandes películas, mínima y enorme a la vez: en unos pocos días el protagonista se descubre mucho más parecido a aquellos que desprecia de lo que le gustaría reconocer...

Wake in Fright, participó en la competencia oficial de Cannes y después de un recorrido internacional no siempre afortunado se convirtió en un film perdido por lustros, del que hasta hace unos años no se conservaba un negativo en condiciones que permitiera recuperarla para el dvd o al menos una copia televisiva decente.

Cuando, hace unos años se completó su restauración digital en base a un negativo encontrado en Estados Unidos y rotulado para su destrucción, la película prácticamente renació, y volvió a recorrer el mundo recuperando el nombre un poco olvidado de su director, un canadiense que tuvo su hora de gloria en el cine (una década más tarde filmaría la primera Rambo), llamado Ted Kotcheff. Más importante aún, permitió comprobar que la película estaba a la altura del recuerdo de quienes la vieron en su momento; del mito del que Nick Cave llamó “el mejor y más aterrador film sobre Australia que se haya hecho”. ~~ tomado de Radar

Awe-inspiring, brutal and stunning, Wake in Fright is the story of John Grant, a bonded teacher who arrives in the rough outback mining town of Bundayabba planning to stay overnight before catching the plane to Sydney. But his one night stretches to five and he plunges headlong toward his own destruction. When the alcohol-induced mist lifts, the educated John Grant is no more. Instead there is a self-loathing man in a desolate wasteland, dirty red-eyed, sitting against a tree and looking at a rifle with one bullet left...

Believed lost for many years, Wake in Fright has been painstakingly restored by Australia's National Film and Sound Archive and AtLab Deluxe, and is presented in its original uncompromising form.

Ripper desconocido, capturas de ghomtuu, remux mío

https://pixeldrain.com/u/gAU8YdhC

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11 abril, 2021

Maurice Pialat - À nos amours (1983)

A nuestros amores

Incapaz de entregarse emocionalmente a su pretendiente, la joven Suzanne (interpretada por Sandrine Bonnaire, en su primera y excepcional incursión cinematográfica), no duda en acostarse con un americano al que conoce en una cálida noche estival. A partir de este momento la joven se entregará con pasión a furtivos encuentros sexuales con diversos hombres, aunque eludiendo el amor y enmascarando sus emociones. En estos affaires Suzanne hallará una vía de escape a los tormentos que padece en casa, en la que convive con una madre histérica (Evelyne Ker), un padre que pronto desaparecerá de escena (Maurice Pialat), y un hermano autoritario y violento (Dominique Besnehard), incapaz de tomar las riendas paternas... Memorable film sobre la educación sentimental de una adolescente a partir de la prodigiosa captura de sus gestos, sus miradas, sus sonrisas y sus silencios.

Puisque son père (Maurice Pialat) a quitté le foyer avec armes et fracas, la laissant aux prises avec une mère hystérique (Evelyne Ker) et un frère aîné protecteur et volontiers violent (Dominique Besnehard), Suzanne (Sandrine Bonnaire) tente de trouver le bonheur ailleurs, chez les garçons. À quinze ans, la jeune fille passe en effet d’un homme à l’autre avec une facilité déconcertante…

Maurice Pialat ne s’en est jamais défendu : plus qu’un film sur l’adolescence, À nos amours est avant tout un hymne d’amour à Sandrine Bonnaire, actrice débutante de 15 ans dont la personnalité et le talent inné l’ont subjugué dès les premiers essais. Lumineuse, la jeune comédienne irradie en effet littéralement dans ce film chaotique touché par la grâce où le cinéma et la vie n’ont jamais été si étroitement liés. Le public et la critique lui feront un triomphe. À nos amours remportera en 1983 le prix Louis-Delluc et le César du Meilleur Film tandis que la performance de Sandrine Bonnaire lui vaudra le César du meilleur espoir féminin.

With his raw style of filmmaking, Maurice Pialat has been called the John Cassavetes of French cinema, and the scorching À nos amours is one of his greatest achievements. In a revelatory film debut, the dynamic, fresh-faced Sandrine Bonnaire plays Suzanne, a fifteen-year-old Parisian who embarks on a sexual rampage in an effort to separate herself from her overbearing, beloved father (played with astonishing magnetism by Pialat himself), ineffectual mother, and brutish brother. A tender character study that can erupt in startling violence, À nos amours is one of the high-water marks of eighties French cinema.

Blu Ray rip del grupo ROUGH

https://pixeldrain.com/u/MBGmofQy

10 abril, 2021

Carlos Saura - La prima Angélica (1974)

Al cabo de los años, Luis vuelve a Segovia trayendo desde Barcelona los restos de su madre para inhumarlos en el panteón familiar. Allí pasaba los veranos, en casa de su tía Pilar y la prima Angélica. La guerra civil retuvo a Luis en Segovia, lejos de sus padres y la convivencia con Angélica despertó sus primeros sentimientos amorosos. El hombre evoca aquellos días y vuelve a su infancia con una prima Angélica casada y madre de una hija.

La prima Angélica no es sólo un track antifascista, concebido como una revancha personal por parte de Saura y Azcona: se trata, sobre todo, de un complejo análisis histórico sobre el pasado y el presente de un país a las puertas de una gran convulsión sociopolítica y, además, de una emocionada reflexión íntima sobre el tiempo y la memoria, dos elementos básicos del dispositivo cinematográfico que la puesta en escena de Saura explora como nunca antes en su filmografía precedente.

Utiliza al propio José Luis López Vázquez para incorporar a Luis-niño, un procedimiento ya ensayado por el mismo Saura en El jardín de las delicias (1970) y claramente inspirado en el Bergman de Smulltronstället (1957), aunque con sustanciales diferencias: en La prima Angélica López Vázquez no es únicamente testigo de sus recuerdos, sino que experimenta una implicación mucho mayor que la del anciano Victor Sjöström, reviviendo literalmente en carne propia la brutal irrupción del pasado en su (ahora) gris existencia. De esta manera, es esa misma implicación directa en los acontecimientos la que le corrobora su intuición inicial: nunca podrá recuperar y/o modificar ese pasado que lo atormenta, porque ahora corresponde únicamente al territorio de lo imaginario, de la infinita reiteración de unas imágenes que ya no le pertenecen.

Y si el pasado es irrecuperable e irredimible, el presente no es más que su reproducción casi exacta: el piso de la tía Pilar ostenta prácticamente la misma decoración que en 1936 y los personajes de la niña Angélica y de Anselmo está físicamente calcados de la prima Angélica de entonces y del tío falangista que hacía la vida imposible a Luis. Detalle éste que corona la vertiente política del film con un malicioso comentario: el vulgar, ignorante e insensible ejecutivo de 1974, que no sabe quién es Machado y solo se preocupa por sus mezquinas inversiones, es el digno sucesor del fascista de 1936, el resultado de casi cuarenta años de oscuridad y miseria.

-- Todo el texto es de Liliana Sáez

Cousin Angelica

When the single middle-aged Luis travels from Barcelona to bury the remains of his mother in the vault of his family in Segovia, he is lodged by his aunt Pilar in her old house where he spent his summer of 1936. He meets his cousin Angelica, who was his first love, living on the first floor with her husband and daughter, and he recalls his childhood in times of the Spanish Civil War entwined with the present.

Blu-ray rip de endrju

English subs by the late supersoft and myself

https://pixeldrain.com/u/gumZZ5iK

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09 abril, 2021

Christian Petzold - Gespenster (2005)

Fantasmas

Françoise siente cada vez más la necesidad de instalarse en Berlín, con la vana esperanza de encontrar a su hija, que fue raptada años atrás en esta ciudad. Pierre, su marido, intenta por todos los medios convencerla de que debe mirar hacia delante y enterrar el pasado. Mientras tanto, la joven y vulnerable Nina vive en un hogar para adolescentes problemáticos. Trabaja limpiando un parque en el que conoce a Toni, una ladrona inquieta y con mucha personalidad, quien vive el momento sin pensar en nada más. Juntas experimentan momentos fugaces de intimidad y algún que otro instante de felicidad. Caminando por la ciudad, Françoise se topa con las dos chicas y cree ver en Nina a la hija que perdió y por otro lado Nina no desea nada más en el mundo que encontrar a esa madre que nunca tuvo... Fantasmas del pasado, en el caso, de Françoise, anclada en el día que perdió a su hija. Fantasmas del presente para Pierre, que sufre por la obsesión de su mujer. Y fantasmas del futuro para Nina y Toni, ante las que se presenta un porvenir incierto y dudoso, cargado de malos augurios.

Guión de Harun Farocki y Christian Petzold

Ghosts

Nina, an end-of-teens orphan with mental problems, starts a new job as a park cleaner when she meets Toni. They fall in love, but soon Toni starts betraying Nina. In the meantime, Francoise is picked up at the psychiatric department of a Berlin hospital by her husband, Pierre. After meeting Nina, Francoise believes that she has found her long-lost daughter Marie, but neither Toni nor Pierre believe her. Nina is unsure about what to think...

DVD rip mío

Subtítulos en castellano de Havel, retocados por un servidor

https://pixeldrain.com/u/irg29o7N

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Agnès Varda - Les Glaneurs et la glaneuse (2000)

Francès | Subs: Castellano/English/Português/Français (muxed)

82 min | x-264 768x576 | 3200 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,94 GB

Los espigadores y la espigadora

Por necesidad o por puro azar, existe gente que recoge objetos de la basura, que han sido desechados por otros. Agnès Varda recorre Francia y se va encontrando con estos espigadores, recolectores…

La directora se convierte, a su manera, en este film, en una especie de espigadora que selecciona y recoge imágenes de aquí y de allá.

[...] La película es más que un documental, es una especie de ensayo personal en celuloide. Agnès Varda se inspira en varios cuadros antiguos que representan a mujeres recogiendo grano del campo después de la cosecha, y sigue buscando esta práctica tradicional en todas sus formas modernas, y observa algunas cosas fascinantes en el transcurso. Algo que llama la atención es la forma en que diferentes personas ven el mismo fenómeno de manera distinta, dependiendo de su relación con él. El gerente de un supermercado explica que ciertos alimentos deben ser retirados del negocio en un momento determinado, tanto si son todavía comestibles como si no; es una cuestión de la ley y de salud pública, además de un buen negocio. Desde el punto de vista del rebuscador, el gerente está loco, de hecho, también lo está toda la forma de vida que representa.

Un momento divertido de la película gira en torno a este tipo de diferencia de perspectiva. Un artista, que recorre la región en bicicleta en busca de objetos encontrados para utilizarlos en sus creaciones, muestra a Varda cómo encuentra sus materiales.
"Algunos pueblos son tan considerados que publican un mapa como éste, en el que se indican las zonas y los horarios en los que los objetos están disponibles en las calles", dice, mientras sostiene un mapa de este tipo.
"¿Pero no es en realidad un mapa de fechas para que la gente saque su basura?". señala Varda. "Ah, sí, claro", dice el artista, como si nunca se hubiera planteado que el sistema no estaba montado simplemente para su beneficio. Lo inútil y lo valioso, claramente, dependen de la perspectiva de cada uno...

The Gleaners and I

Varda films and interviews gleaners in France in all forms, from those picking fields after the harvest to those scouring the dumpsters of Paris.

[...] The film is more than a documentary, it's a kind of personal essay on celluloid. Agnès Varda is inspired by several old paintings that depict women picking up grain from the fields after the harvest, and goes on to look for this traditional practice in all of its modern forms, observing some fascinating things along the way. One of the most interesting things is the way different people look at the same phenomenon differently, depending on their relationship to it. A supermarket manager explains how certain food must be removed from the store at a certain point, whether it's still edible or not; it's a matter of law and public health as well as good business. From the scavenger's point of view, the manager is crazy, in fact so is the entire way of life he represents.

A funny moment in the film turns on exactly this kind of difference in perspective. An artist, who bikes through the region looking for found objects to use in his creations, shows Varda how he finds his materials.

"Some of the towns are thoughtful enough to publish a map like this, showing the areas and times where objects will be available on the streets," he says, holding up just such a map.

"But isn't that actually a map of dates for people to put out their trash?" Varda notes. "Oh, yeah, right," says the artist, as if he's never considered that the system wasn't set up simply for his benefit. Trash and treasure, clearly, are in the eyes of the beholder...