Arsenevich: bergman

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23 septiembre, 2023

Ingmar Bergman - Nattvardsgästerna (1963)

Sueco | Subs:Castellano/English/PT/IT/FR (muxed)

81 min | x264 960x720 | 5265 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps

3,17 GB

Luz de invierno

Thomas es un pastor protestante que celebra los oficios religiosos con la iglesia casi vacía. Es un hombre solitario que sufre una profunda crisis espiritual y cuya vida carece de sentido. Incluso el amor que le profesa la maestra Marta se ha vuelto para él una carga insoportable. Su situación se agrava al verse incapaz de ofrecer ayuda alguna a una pareja de campesinos que acuden a él para pedirle consejo. Cuando, poco después, el campesino se suicida, Thomas se encuentra al borde del abismo y ya nada podrá llenar su vacío interior.

Uno de los temas recurrentes del genial director de cine Ingmar Bergman (Uppsala, 1948 – Isla de Faro, 2007) fue la aparente ausencia de Dios. Esa contradicción que atravesó -y atraviesa- a las sociedades contemporáneas, entre el racionalismo escéptico y las necesidad espiritual inherente al ser humano. Dudas del materialismo enfrentadas al océano de misterio que significa estar vivo. Y todas las preguntas humanas que nacen en el medio.En el relato bergmaniano se reitera la necesidad de encontrar respuestas, cuando no auxilio, en la divinidad. Pero esas respuestas no llegan, algo que muchos seres humanos interpretan como un mensaje en sí mismo, como un premio o un castigo, aunque no haya habido contestación divina. Sin embargo, la atmósfera creada por el maestro sueco -hijo de un severo pastor luterano- si bien critica imposiciones clericales absurdas, deja la puerta abierta hacia la existencia de un orden superior, hacia un universo infinito cuyas reglas aún no comprendemos.Mientras se desgrana ese dilema, en sus obras maestras desfilan temas viscerales como la muerte, la traición, el honor, la justicia y la soledad. El silencio de Dios se rastrea en algunas de sus películas más admiradas: El séptimo sello (1956), .La fuente de la doncella. (1959) y Cuando huye el día. (1957).

Quizá, la conclusión del maestro esté en la obra que los críticos interpretaron como un testamento -si bien siguió filmando-, .Fanny y Alexander. (1982), en la que uno de los personajes reza: .Nosotros no hemos venido al mundo para desvelar sus misterios, no estamos equipados para semejantes menesteres y es mejor que ignoremos los grandes interrogantes, porque vivimos en nuestro pequeño mundo. Nos contentamos con eso. [...] Pero para ello es necesario saber hallar el placer en este, nuestro pequeño mundo….Intentando aproximarse a su leyenda, el actor Max von Sydow -la cara de gran parte de sus personajes- lo definió así: .No he conocido a nadie que sepa tanto y profundamente sobre la naturaleza del hombre. Y es a partir de ese conocimiento cuando él puede transmitir tanto cinismo en sus personajes, pero al mismo tiempo siente pasión por la vida. Bergman es capaz de sentirse sorprendido por las historias de la gente y por la naturaleza humana. Puede captar lo que todos llevamos dentro. Y quizá sea esto lo que percibimos cuando vemos sus películas. Si tuviera que volver a filmar un clásico, como el Fausto de Goethe, no se sentiría para nada influido por las numerosas adaptaciones que se han hecho. (La Contramarcha)

Dos de los grandes ejes temáticos de la filmografía de Bergman, la duda metafísica (El séptimo sello, Como en un espejo...) y el análisis introspectivo de las relaciones íntimas (Secretos de un matrimonio, Un verano con Mónica...) se funden magistralmente en esta película, formando una unidad indisociable donde ningún motivo se supedita al otro.Si en Fanny y Alexander está “todo Bergman” por expansión de personajes y situaciones, aquí lo está por reducción a sus rasgos esenciales. De esta manera, la puesta en escena deviene una de las más concisas, depuradas y austeras de su autor.La desnudez formal se traduce en un rigor compositivo donde los primeros planos alcanzan un significado de tal magnitud que se convierten en dignos herederos de los de La pasión de Juana de Arco. La analogía con Dreyer nos podría llevar también a Gertrud, en cuanto al meditado uso de los fondos en conexión con las emociones de los personajes.A mi juicio, Gunnar Björnstrand realiza el mejor trabajo de su carrera e Ingrid Thulin está, como siempre, inconmensurable. La implacable fotografía en blanco y negro de Sven Nykvist probablemente sólo tiene parangón con la de Persona, otra de las obras capitales del dúo creador. En fin, aunque algunos todavía consideren Los comulgantes esclava de su época y, por tanto, caduca o pasada de moda, para mí siendo una obra de arte absolutamente intemporal, cumbre de Ingmar Bergman y un hito que demuestra, una vez más, que la auténtica complejidad se alcanza a través de la más absoluta sencillez. (Quim Casals)

Winter Light is the second in a trilogy of dramas by acclaimed Swedish director Ingmar Bergman that explores religious faith and doubts in a visceral, visual, and provocative manner. The first, Through a Glass Darkly, was an international success and heralded this new phase in the director's career. This compelling drama is set within a three-hour period on a Sunday afternoon in November, and begins when the local pastor, Tomas Ericsson (Gunnar Bjornstrand), is finishing his sermon. As of late, Pastor Ericsson has watched his congregation dwindle to a minimal level. Among the remaining parishioners is Marta (Ingrid Thulin) a plain-looking schoolteacher who has long been in love with the pastor. Meanwhile, fisherman Jonas (Max von Sydow) is anxiety-ridden over the nuclear power of the Communist Chinese, but Pastor Ericsson cannot help him, saddled with some overwhelming spiritual dilemmas of his own. As Ericsson struggles with his demons and faces Marta's unwanted (and to him, repugnant) romantic attentions, some hints of the qualities of God begin to surface.

Blu Ray rip del grupo Public

Una publicación original de saynomoreglass

https://pixeldrain.com/u/KAzD2SkZ

27 agosto, 2023

Ingmar Bergman - Jungfrukällan (1960)

El manantial de la doncella/La fuente de la doncella

Basada en una leyenda popular del siglo XIV, cuando el cristianismo recién arraigado se fundía con los mitos de Odin, una muchacha, Karin, atraviesa el bosque con una ofrenda a la virgen en compañia de Ingrid, quien la odia secretamente.

Conociendo posteriores y muchísimo más personales películas, una película como El manantial de la doncella puede parecerle menor a un espectador poco avezado en la filmografía de Ingmar Bergman, sobre todo teniendo en cuenta el año en que está enclavada, pues la precede su primera gran obra maestra, El séptimo sello (que en muchos sentidos preludia a ésta), así como una de sus cinco mejores películas, Fresas salvajes. Los sesenta estaban a punto de comenzar, y ahí germinaría el Bergman más críptico y fascinante, el que cambió la cinematografía mundial.
Pero lo cierto es que El manantial de la doncella es una obra de una fuerza narrativa inigualable, que no por resultar más accesible en su doloroso drama, desmerece del universo bergmaniano. Más bien lo amplía. Basada en una balada nórdica del siglo XIII, el guión es una joya de concreción y de diálogos. Doce únicos personajes en un decorado interior, y en primorosas localizaciones naturales exteriores. Este poema visual es sobre todo una hipnótica tragedia con reminiscencias shakesperianas, ibsenianas y strindbergianas, al mismo tiempo que aúna lo católico con lo pagano, lo existencialista con lo mundano.
La puesta en escena de Bergman se aleja de todo manierismo de forma consciente y ascética, buscando en todo momento la austeridad, los silencios, la expresividad “casual”. Escasos movimientos de cámara, empleada esta con gran energía en los momentos en los que se necesita, para acentuar la tensión psíquica del espectador; dirección de actores precisa y sobria, sin grandes exhibicionismos, pero capaz de arrancar una verdad indescriptible a los actores. Parece, de hecho, algo teatral, pero no por defecto, sino por virtud. Esta teatralidad nos retrotrae a los dramas escandinavos y a las representaciones de grandes tragedias gélidas del teatro sueco y ruso.
Extraordinaria fotografía en un celestial blanco y negro por parte del maestro de la luz, recientemente fallecido, Sven Nykvist. Su trabajo es enormemente decisivo en el tratamiento visual de Bergman, pues esta película se narra principalmente con imágenes, y no tanto por sus escasos diálogos. Su sencillez es transparente, y de ella nace el dolor de su historia, su inasible melancolía, dedicada a describir la soledad del hombre en el mundo, el horror de la violencia injustificada o no, el silencio insondable de Dios y las palabras sin respuesta que sus hijos le profieren, la naturaleza inconcebible de la muerte violenta, el amor parental, el odio entre hermanos, la venganza…
En el centro del reparto, un imponente Max Von Sydow, pero todos están magníficos, Birgitta Valberg, Gunnel Lindblom, Birgita Pettersson… Considerada hoy día una de las películas clave de Bergman, esta maravilla no ha envejecido nada, sino que se conserva eternamente joven. Bergman sería capaz de superarse en el futuro, forzando a sus contemporáneos a convencerse de que es uno de los mejores y más profundos artistas del siglo XX. (Extracine)

Publicación original de saynomoreglass

The Virgin Spring

Winner of the Academy Award for Best Foreign Language Film, Ingmar Bergman’s The Virgin Spring is a harrowing tale of faith, revenge, and savagery in medieval Sweden. Starring frequent Bergman collaborator and screen icon Max von Sydow, the film is both beautiful and cruel in its depiction of a world teetering between paganism and Christianity, and of one father’s need to avenge the death of a child.

BR rip de Átun

"El Manantial de la doncella es una mala imitación de Kurosawa. Me sentía un samurai." Ingmar Bergman

https://pixeldrain.com/u/Pvm7V9pk

11 enero, 2023

Ingmar Bergman - Saraband (2003)

En Saraband, Marianne y Johan vuelven a encontrarse después de haber permanecido separados treinta años. De pronto, Marianne siente la necesidad de ver de nuevo a su ex-marido. Decide ir a visitar a Johan a su antigua residencia de verano situada en la provincia de Dalarna. Así, un precioso día de otoño, se coloca al lado del sofá reclinable y le despierta con un beso de buenos días. En la propiedad también pasan el verano el hijo de Johan, Henrik y la hija de este, Karin. Henrik imparte clases de violonchelo a su hija y tiene planes de futuro para ella. La relaciones padre-hijo son tensas, pero ambos son protectores con Karin. Guardan luto a Anna, la querida mujer de Henrik, que murió dos años antes, pero que sigue aún presente en sus vidas. Marianne no tardará en darse cuenta de que las cosas no van tan bien, y se ve envuelta sin quererlo en una complicada e incómoda lucha por el poder.

Primer film publicado en Arsenevich en julio de 2008

Saraband is the last motion picture directed by Ingmar Bergman - his parting gift to the medium that made him world-famous. Saraband is an astonishment: vital, powerful, magnificent. Granted, when a great filmmaker, however ancient, makes a sublime work of art, it should not come as such a surprise. We can place this film alongside Dreyer's Gertrud, as a fellow Scandinavian's uncanny last word on the capricious power of love, in its positive and destructive aspects.

Blu-ray rip de ultradamus

https://pixeldrain.com/u/Z39MDZ7t

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Último film del maestro sueco

04 enero, 2023

Ingmar Bergman - Smultronstället (1957)

Sueco | Subs: Castellano/English/IT/PT/FR (muxed)

88 min | x-264 946 x 720 | 5000 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
3,27 GB

Un médico va a recibir un homenaje de su universidad. Repentinamente, tras un sueño en el que contempla su propio cadáver, decide emprender el viaje en coche con su nuera, que se ha ido de casa de su hijo tras una discusión por su embarazo. Durante el viaje parará en la casa donde pasaba sus vacaciones de niño, donde crecen fresas salvajes y donde tuvo su primer amor.

Una de las obras maestras del sueco Ingmar Bergman es "Fresas salvajes". Rodada después de "El séptimo sello", es una visión de la soledad y la muerte, al menos de una persona que ya sabe que va a morir en poco tiempo, o que ya es tan anciana que, claro, el final es inevitable, como a cualquier ser humano. El también cineasta Victor Sjöström, admirado por Bergman desde que empezó en los tiempos del cine mudo, aquí es actor y borda el papel del médico Isak Borg, que va a recibir un homenaje en una Universidad, y en el viaje en coche para allá, acompañado de su nuera Marianne (Ingrid Thulin), conoce a varios personajes que le harán meditar sobre su vida y lo que ha hecho bien o mal. Sobre todo unos extraños sueños, algunos con tono de expresionismo alemán, que se ve en su propia muerte, o en una especie de tribunal de evaluación que le "condena" a la soledad y a la muerte, ó cuando ve a su difunta esposa calificándole de "egoísta". En una impecable fotografía en blanco y negro se nos muestra todo esto, con un Victor Sjöström que da perfectamente lo que quería Bergman. Nadie hubiera quedado mejor en el papel.

"Cualquier película que "quiera algo" me parece mucho más significativa que esas películas que no dicen nada, que no quieren nada." Ingmar Bergman

One of the acknowledged classics of the cinema, Wild Strawberries confronts eternal questions of loneliness, aging, and mortality with a warmth and humanity not often found in Bergman's austere world. This visually rich and dramatic film follows an aged doctor's journey through a compelling landscape of dream and memory as he travels to receive an honorary degree. Haunting flashbacks and incidents along the way force him to confront his life and its failings. Victor Sjostrom gives a superb, affecting performance as the doctor. Bergman's dramatic use of light and dark to reveal the human mind and soul ranks Wild Strawberries among the world's greatest cinematic achievements.

BR rip bajado de rutracker
Publicada originalmente por saynomoreglass en 2009

https://pixeldrain.com/u/6qdn7bq3

23 diciembre, 2022

Ingmar Bergman - Persona (1966)

Elisabeth (Liv Ullmann), es una conocida actriz teatral que durante una representación de Electra se queda sin habla. Ingresada en un hospital, aunque no sufre ningún tipo de enfermedad continúa sin pronunciar sonido alguno. Para sacarla de su mutismo, se traslada junto con Alma (Bibi Andersson), su enfermera, a una casa de verano.

“Persona”(1966) es la película número 27 de Ingmar Bergman. Con ella y “Gritos y susurros” (1972), según el mismo director habría llegado al límite de sus posibilidades creativas. Lo que el director entiende aquí por llegar a su propio límite tiene también que ver con su propia concepción de la relación que se establece entre arte y vida. Recorriendo en sus memorias su producción artística, Bergman reconoce que habiendo probado todos los medios de expresión artística, todos ellos le parecían insuficientes, mientras que con “Persona” es capaz de mostrar aquello que es solo mostrable a partir del medio cinematográfico.
“Persona” se gesta además en un momento de crisis personal del director. Convalesciente a causa de una neumonía y superado por la carga burocrática que le supone la dirección del teatro, experimenta un retiro similar al de los personajes. No en vano, dijo en algún momento “Elisabet Vogler soy yo”. Y afirma rotundamente en su biografía Imágenes que, de hecho, “Persona” le salvó la vida.“Persona” es una obra singular en su género. Diríamos con propiedad que ella misma es su propio género y estamos de acuerdo con Bergman que aquello que se muestra en la película solo podría ser mostrado en este formato. La película es en sí un ejercicio de reflexión filosófica cuyo contenido y forma son indisolubles. “Persona” no debía llamarse en realidad así sino que el título original del film era “Cinematografía”. (Fragmentito del texto de Núria Sara Miras Boronat, tomado de “Máscara, lenguaje y el sueño imposible de ser. Una lectura filosófica de “Persona” de Ingmar Bergman.”)

La dominación por el silencio, creando la necesidad de contacto humano verbal en el ser más indefenso o, al menos, más confiado, se muestra en la película como aparente tema central de la misma. El proceso de vampirización entre la enfermera y la actriz "muda", se me antoja insuperable, el grado de identificación progresiva entre ambos personajes queda explícito en un genial primer plano —acusado en su momento de demasiado ingenuo— de ambas en total conexión, que, posteriormente, ha sido utilizado en alguna ocasión por otros directores, pero que nunca se ha superado en el clímax conseguido por la aparición de los rostros integrados, en una muestra más de la enorme habilidad del realizador para explorar el interior de los seres a través del rostro humano.
Sin embargo, esta dominación no me parece, en absoluto premeditada, no olvidemos que la actriz se encuentra aislada con la enfermera debido a unos problemas mentales difusamente planteados en el film, que le impiden voluntaria o involuntariamente comunicarse verbalmente. Parece evidente que existe una voluntariedad en la falta de habla en la actriz, que obedece más a una toma de postura ante la vida que a un intento de dominación sobre otras personas. Cuando deja de hablar —en una representación teatral, su trabajo— no se plantea ninguna relación de dominio sobre los demás, simplemente decide que su forma de vida y su trabajo son accesorios para su existencia y decide prescindir de lo accesorio para concentrarse en lo esencial buscando una respuesta a su angustia existencial.

De esta forma lo que la película propone, es el enfrentamiento entre dos personas, en todo el significado de la palabra persona, con diferentes planteamientos existenciales, así como el conflicto y la simbiosis que se produce entre ellas, a lo largo de su enfrentamiento, aunque parece que el director toma partido, eso sí, en el sentido de que la persona de planteamientos más puros y esenciales prevalece sobre la otra, más terrena y con más necesidades.
En la base del film Bergman trata de realizar una exposición del vacío existencial de las personas, el terror a la nada y a la falta de significado de sus vidas que es la razón por la que la actriz, consciente de esa nada, considera inútil su actividad, de ridícula importancia frente a la magnitud de ese vacío y el terror que genera. La consciencia de la muerte como desaparición total y absoluta planea también, de este modo, en la película como en tantas otras en la obra de su director.
Además, el hecho de que la actividad de la protagonista sea actuar, junto con el juego de imágenes aparentemente —solo aparentemente— ajenas a la trama que Bergman utiliza desde el mismo comienzo —espectacular por lo inhabitual— del film son elementos que le permiten al director extenderse en una reflexión sobre la representación y la realidad, sobre la apariencia y la verdad también presente en otras películas suyas. La máscara, como símbolo de representación y de ocultamiento de la realidad. (Tomado de Tren de Sombras)

Ingmar Bergman's 1966 film, photographed by Sven Nykvist, begins when famous actress Elisabeth Vogler (Liv Ullmann) freezes on stage in the middle of a performance. Struck dumb by an unknown cause, she winds up in the care of young inexperienced nurse Alma (Bibi Andersson), and together they retreat to the seaside for the summer, where they enter into an uncommon intimacy and clash of wills. Bergman's study of the fragility of the human being and the treachery of life is incredibly moving in its perception and unrivaled imagery. And as always with Bergman and his reappearing ensemble of actors, the performances are flawless. Especially notable is the scene in which Alma recounts for the silent Elisabeth a morally and emotionally ambivalent erotic encounter she had experienced on a beach with a friend and two teenage boys. It is one of the most strangely erotic scenes ever filmed, and not a stitch of clothing is removed. Also of interest, and one of the most intriguing scenes in the film, perhaps among the most intriguing in all of cinema, is when Elisabeth paces barefooted back and forth over a patio on which we know there to be broken glass. It is an achievement in simple suspense from which many an aspiring director of thrillers could learn a bit. For those who've had their fill of predictable plots, irrelevant matter, and apish acting and are looking for something a little more sensual, poetic, and relevant to what life is about beyond the daily grind, this may be a good place to start. --James McGrath

"No conozco a nadie que sepa tanto sobre el ser humano como Bergman." Max von Sydow

"Tengo la sensación de que en Persona he llegado al límite de mis posibilidades. Que en plena libertad, he rozado esos secretos sin palabras que sólo la cinematografía es capaz de sacar a la luz." Ingmar Bergman

BR rip propio de la edición Criterion bajada de rutracker

Todo el texto es de la publicación original (2010) del amigo saynomoreglass

https://pixeldrain.com/u/5EczKdVe

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