Jean Eustache - La Maman et la Putain (1973)

  

Francés | Subs: Castellano/English/Português (muxed)

207 min | x264 1440x1050 | 4000 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps

HDTV rip 6,09GB

La mamá y la puta

Un resumen para una generación, un comienzo para otra, y una leyenda cuasi-mítica para una tercera. Es un peso demasiado grande para un solo film, pero esa ha sido la carga de La Maman et la putain de Jean Eustache desde que se hizo presente por primera vez en Cannes en 1973…. Eustache extrajo de su propia vida fragmentos enteros del diálogo así como la historia de un joven intelectual parisino de extremo narcisisimo y locuacidad (Jean-Pierre Léaud) en medio de una relación vacilante con una mujer algo mayor que él (Bernadette Lafont) y una enfermera más joven (Françoise Lebrun). Toda respuesta a este texto enorme, vomitivo y de un marcado catolicismo, en guerra con sus propios instintos de libertad moral, también debe ser personal. Para quienes crecimos en los setenta, católicos o no, La Maman et la putain fue la base a partir de la que se juzgaban todos los films de la época, la canción que no podíamos sacar de nuestra cabeza. (Para la multitud de los sesenta, era como un estertor, pero no para nosotros). Para los espectadores más jóvenes que nunca pudieron verla proyectada, ¿quién sabe? Puede, o no, cambiar sus vidas. (Robert Koehler)

-"Cuando Veronika dice a Alexandre "Las cosas ya no significan mucho para mí", es mucho más doloroso que si lo hubiese dicho él , porque no vemos ninguna evidencia de que nada haya significado nunca nada para él" (...) "También se sugire que la mujer es moral e intelectualmente superior a los personajes masculinos pero que esa superioridad les ha servido de bien poco en su búsqueda de la plenitud y la compañía. Las dos mujeres de la película se juntan con hombres no porque no sepan hacer algo mejor, sino porque la compañía vacía es mejor que la soledad. Ellas no esperan casi nada de la interacción humana, pero siguen dejándose llevar, agarrándose a lo poco que eso tiene que ofrecerles" (Jared Rapfogel en "Senses Of Cinema")

-"La mamá y la puta se ha convertido en la gran crónica de la deriva sentimental del 68, en una radiografía de ese momento en el que despúes de las utopías los jóvenes buscaron soluciones individuales y encontraron su refugio en el sexo. Sin embargo, si observamos detalladamente la película, veremos que las cosas no son tan claras. Eustache no habla de la utopía, sino de su cansancio. La figura del joven rebelde ha sido sustituida por la del dandy insportable, que previere la provocación por la provocación a la lucha política. La crónica de la revolución sexual se transforma en la descripción de sus sinsabores y en la plasmación de cómo la juventud que podía follar sin complejos, porque tenían la píldora y aún no había surgido el fantasma del sida, acabó encumbrando un cierto vacío existencial" (Ángel Quintana en "Cahiers du cinema)

-"Aprendí a articular unos diálogos en los que la palabra nunca podía llegar a detenerse porque, en el fondo, era una palabra herida" (Françoise Lebrun)

The Mother and The Whore

Three-and-a-half hours of people talking about sex sounds like a recipe for boredom; in Eustache's hands, it is anything but. There is no 'explicitness': the film is about attitudes to, and defences against, sex and the body. Using dialogue garnered entirely from real-life conversations and sticking entirely to a prepared script (no improvisation), Eustache has provided us with a ruthlessly sharp-eyed view of chic, supposedly liberated sexual relationships, revealing them to be no less a disaster area of tragic dimensions than their 'straighter' counterparts. Veronika (Lebrun) cripples herself by regarding herself entirely through male eyes; Alexandre (Léaud, playing a character eerily close to his standard screen persona) is revealed to be the victim of a greedy, self-regarding, and desperate chauvinism; Marie (the superb, strong Lafont) is a less fully delineated character, sadly allowed only two fierce rejoinders to Alexandre's blind demands. Each of the three holds part of the 'truth' about their situation; none can put the pieces together. The Mother and the Whore is an icy comment on the New Wave, informed throughout by Eustache's striking visual intelligence.

Alexandre est un oisif. Il passe son temps dans les cafés germano-pratins à lire, à discuter, à regarder les filles. Le soir, il retrouve Marie chez elle. Il a d'autres aventures. Veronika notamment, qui peu à peu envahit sa vie. Si l'intrigue de ce film de trois heures trente peut tenir en quelques lignes, les dialogues en revanche ne se résument pas. Il faut les écouter ou les lire. Car l'intérêt de l'édition de ce scénario … qui est la version rédigée par Jean Eustache avant tournage … réside dans la qualité littéraire avec laquelle l'auteur parvient à rendre le langage parlé. De longs monologues expriment tour à tour la quotidienneté, la désinvolture, la souffrance. Cette réussite tient peut-être à la rage qui animait alors Eustache, comme il l'écrit lui-même en 1972 dans la préface reproduite ici. Ce texte témoigne également d'"époques" : celle, historique, des années soixante-dix à Saint-Germain-des-Près, et celle, cinématographique, de la Nouvelle Vague. D'ailleurs, les soliloques du personnage d'Alexandre retentissent des intonations de Jean-Pierre Léaud. "C'est le seul de mes films que je haïsse, car il me renvoie trop à moi-même, à un moi-même trop actuel." --Sophie Paviot

"En el fondo, la verdadera cuestión es saber si los cineastas son pensadores o gente del espectáculo, como la gente del circo. Ya no estoy tan seguro, como lo estaba al rodar mis primeras películas, de que el cineasta esté del lado del pensamiento. A mi modo de ver no hay ningún pensamiento, ninguna ética en el cine. Sólo una especie de idea abstracta que sirve de guía al guión y que se olvida. Yo decía al trabajar en La Maman et la Putain: "Voy a dar la palabra a la cuestión. ¿A la cuestión o a cuestionarla? No, no, a la cuestión, como bajo tortura". Quería hacer algo suficientemente conmovedor, modular los empleos de la palabra en toda la duración de la película. Por eso rechazaba el principio de la improvisación. Cuando se hace una película, hay que hacerla completamente. Pero ya encontraba yo en los diálogos de La Maman graves defectos durante el rodaje; si estaban demasiado trabajados, era por un exceso de agresividad por mi parte: me siento absolutamente incapaz de filmar diálogos que yo no haya escrito. Me da mucho miedo que un día me digan: "Sus películas serían mejores con un buen dialoguista". Pero no son personales en absoluto." Jean Eustache

 

HDTV rip compartido por Oblivion

 

Publicación original de saynomoreglass

 

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Ousmane Sembene - Borom Sarret (1969)

 

Francés | Subs: Castellano/English/Italiano (muxed)
20 m | x-264 984x720 | 5000 kb/s | 192 kb/s AC3 | 24 fps
746 MB

El carretero

 Este cortometraje es la primera película del director senegalés Ousmane Sembene, uno de los fundadores del cine africano. La película sigue la rutina diaria de un conductor de carruajes a caballo. A lo largo de su camino, se encuentra con una desafortunada serie de personajes que encarnan las penas económicas de la gente empobrecida. En esta época, Sembene no tenía los medios para producir una película del calibre de sus obras posteriores, pero ya poseía una voz social crítica.

 The Wagoner

 This short work is the first film of Senegalese director, Ousmane Sembene, one of the founding filmmakers of African cinema. The film follows the daily routine of a horse-cart driver. Along his way, he encounters an unfortunate array of characters who embody the economic woes of the impoverished people. Sembene may not have possessed the means to produce a film of the caliber of his later works, but he already possessed the socially critical voice.

 

Blu Ray rip y capturas de blueboy

 

 

https://pixeldrain.com/u/LBudbcuQ

Joan Micklin Silver - Hester Street (1975)

 

Inglés | Subs: Castellano/Portugués/English (muxed)
89 min | x264 1024x576 | 3800 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.976 fps
2,49 GB

 Es 1896. Yankel Bogovnik, un judío ruso, emigró a los Estados Unidos tres años antes y se ha establecido donde muchos de sus antecedentes lo han hecho, a saber, en la calle Hester en el Lower East Side de la ciudad de Nueva York. Se ha asimilado a la vida americana, ha aprendido inglés, ha anglicizado su nombre a Jake y se ha afeitado la barba. Está trabajando en un trabajo de 12 dólares a la semana como costurero, el dinero ganado sirve para poder traer a su esposa Gitl y a su hijo Yossele a América desde Rusia.

A pesar de todo, Yankel se ha enamorado de otra mujer, una bailarina llamada Mamie Fein. No obstante se emociona cuando se entera de que Gitl y Yossele vienen a Estados Unidos. Su felicidad por su llegada se ve empañada cuando ve que Gitl no se ve "americana" como Mamie y tiene problemas para asimilarse tan rápido como le gustaría. Salvo con Mamie, intenta dar la impresión a la gente de que todo está bien en casa con Gitl. Pero, ¿puede su matrimonio sobrevivir a estas diferencias, y si no, podrá arreglárselas Gitl en esta nueva tierra donde conoce tan poca gente?

 It's 1896. Yankel Bogovnik, a Russian Jew, emigrated to the United States three years earlier and has settled where many of his background have, namely on Hester Street on the Lower East Side of New York City. He has assimilated to American life, having learned English, anglicized his name to Jake, and shaved off his beard. He is working at a $12/week job as a seamster, the money earned to be able to bring his wife Gitl and his son Yossele to America from Russia.

 Regardless, he has fallen in love with another woman, a dancer named Mamie Fein. Nonetheless, he is excited when he learns that Gitl and Yossele are indeed coming to America. His happiness at their arrival is dampened when he sees that Gitl is not "American" looking like Mamie and has troubles assimilating as quickly as he would like. Except to Mamie, he tries to show a public façade that everything is fine at home with Gitl. But can their marriage survive these differences, and if not, will Gitl be able to manage in this new land where she has few supports?

 

Blu Ray rip de embeejay

 

 

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Tony Richardson - A Taste of Honey (1961)

 

Inglés | Subs: Castellano/Italiano/English/Português (muxed)
100 min | x264 1200x720 | 5600 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
4,08 GB

En un barrio obrero británico, una adolescente de 17 años vive con su madre, una mujer alcohólica y promiscua que la ignora por completo. Tras marcharse un día la madre con su nuevo novio, la joven encuentra a un amigo en un hombre gay de mediana edad, que pretende cuidarla tanto a ella como a su futuro hijo, pues la chica está embarazada de una aventura esporádica con un marinero.

La cuarta canción de ese milagro sonoro que fue Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band ofrece un testimonio agridulce de la infancia y juventud de toda una generación de ingleses. La voz optimista de McCartney, testimonio pop del triunfo agradecido desde la clase obrera, contrasta con el falsete malicioso, con el característico cinismo (¡No podría ir peor!…), de John Lennon.
No fueron quizá tanto jóvenes airados como voces de un desencanto: el propio de los jóvenes baby boomer que se habían educado bajo unos valores opresivos de una sociedad clasista. Pero lo que todavía era mención irónica y alocada en los años 60, y que acabará en enfrentamiento luego del 68, tiene sus raíces precisamente en la generación anterior. Son los años finales de la década de los 50, el tiempo del eslogan de Harold McMillan “You’ve never have it so good!” como freno a cualquier aspiración social fuera del conformismo.Es, también, una reivindicación propia de la cultura de baja clase social: John Wain –Lucky Jim (1954)–, John Braine –Un lugar en la cumbre (Room at the Top, 1957)–, Allan Sillitoe –Sábado noche, domingo mañana (Saturday Night and Sunday Morning, 1958)– provenían todos de entornos trabajadores, siendo en ocasiones autodidactas. Ellos crearon una literatura con expresiones populares, que la academia despreció, pero que llegó conectar con el público.
El término de angry young man se debe al encargado de prensa del Royal Court Theatre, George Fearon, que lo utilizó como perfecto reclamo para la que sería la piedra de toque del movimiento: Mirando hacia atrás con ira (Look Back in Anger, 1956). Escrita por John Osborne, otro autodidacta, representaba a Jimmy Porter como rebelde sin causa de una sociedad enclaustrada en la mediocridad y el puritanismo. La economía, en efecto, había llegado a una primera edad de oro del estado del bienestar keynesiano, pero esta rebeldía era sobre todo cultural, social, en contra de la superchería de las altas clases británicas. Algo que Allison recoge en la propia obra de teatro: "Tú sufres porque todo ha cambiado y Jimmy porque no ha cambiado nada."
Se iniciaba el drama de fregadero, kitchen sink, donde el realismo servía de espejo a las miserias de una cultura de baja clase social que no había tenido relevancia anteriormente. Se pretendía mostrar en la tarima la crudeza, los dramas domésticos que vivía el ciudadano de a pie en el Reino Unido.
Tanto Lindsay Anderson como Tony Richardson conocieron las tablas antes de lanzarse a la aventura cinematográfica. Se les unirá Karel Reisz como tercer violín, y poco antes dieron fe de sus inquietudes artísticas en la revista Sequence.
Empieza así a gestarse de manera paralela al nuevo cine europeo el Free Cinema, defendido con ferocidad por el propio Anderson y que hará del joven airado su estereotipo conocido. Para Michael Earton estos primeros films de rebeldía "son una conjunción fructífera entre las polémicas del Free Cinema y las novedades del Royal Court Theatre". Será un movimiento fugaz, deudor del naturalismo francés y de la constante escuela de documentalismo inglés, que virará de una pequeña proyección de cortos a finales de los 50 a una serie de películas donde el joven airado constituye un referente social plenamente reconocible (...) (Texto de Julio Tovar, tomado de Welovecinema)

Tony Richardson's film of Shelagh Delaney's play was a critical and commercial success, following hard on the heels of Saturday Night and Sunday Morning (d. Karel Reisz, 1960) and its impact on British screens.
The film was opened out from the play, through Richardson and cinematographer Walter Lassally's impressionistic use of industrial landscapes. The canals and backstreets of Salford take on a dreamy air as Jo tries to come to an accommodation with herself and her life. Some of the imagery, such as Jimmy's boat going down the ship canal or the match cut between a starry sky and a dance hall ceiling, is incredibly beautiful, creating a coming-of-age portrait which compares with the best such works in world cinema.
Subjects like sex, abortion and homosexuality were tackled through the emotions of Jo, played impressively by newcomer Rita Tushingham. However the loose plot and languid atmosphere make it seem less didactic than some of the other new wave films. Jo is and always has been an outsider to 'respectable' society and so approaches life on her own terms. Ellen and Geoff are also cast out in different ways by their sexuality, yet feel more need than Jo to be accepted, hence Geoff's desire to be a husband and father. (Screenonline)

"Hemos tenido nuestra revolución social; tenemos un buen sistema de seguridad social y nuestros logros tecnológicos son algo de que lo tenemos que estar orgullosos. Entonces, ¿cómo explicar el predominio del cinismo, del idealismo confuso y la fatiga emocional? ¿Por qué hay tantas voces jóvenes resentidas y derrotistas en lugar de estar en pugna y afirmándose?" Lindsay Anderson

 

BR rip de matoucito

 

 

https://pixeldrain.com/u/TgdAiE6H