Roberto Rossellini - Stromboli, terra di Dio (1950)

 

Italiano | Subs: Castellano/English (muxed)
117 min | x264  704x528 | 1850 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.976 fps
1,67 GB

Para poder escapar de un campo de concentración, una mujer desesperada acepta casarse con un pescador de una pequeña isla llamada Stromboli. Pero escapar de una prisión la lleva al final a meterse en otra, y su vida en la isla es también una condena. Bellísima película entre el drama y el documental con inolvidables secuencias y una excelente fotografía, entre ellas la de la pesca del atún que han pasado ya a la historia del cine.

Nadie ha filmado con tanta inmediatez y pasión la relación profunda entre el hombre y la naturaleza como sucede dentro de esta película mediterránea y áspera, profundamente terrenal y soterradamente cósmica al mismo tiempo. La larga secuencia de la pesca del atún y la ascensión de Karin al volcán permanecen como dos de los grandes momentos en los que ficción y documental se funden en una única expresión. Radiografía y análisis de una crisis existencial, que es también de relación con Dios y con el mundo, es la primera entrega de una trilogía esencial compartida por Rossellini con Ingrid Bergman, a la que siguen después Europa 51 y Viaggio in Italia. --- Pavel Georgevich

Karin (Ingrid Bergman) is a Czech refugee living in a camp, desperate to escape but unable to. She finds her doorway out when she meets the Italian soldier Antonio (Mario Vitale), who asks her to marry him. Karin doesn't love him back, but she agrees to get out of there. They are married, and Karin leaves. A masterpiece of realism and spiritual liberation, infused with an obvious passion for both film and for life, Rossellini's first film with Ingrid Bergman during their notorious real-life affair is on many levels a revelatory experience.

"Siempre procuro mantenerme impasible; me parece que aquello que es tan asombroso, tan extraordinario y conmovedor de la vida humana es precisamente que los actos nobles y los sucesos trascendentales ocurren de la misma manera y producen la misma impresiòn que los sucesos corrientes de la vida cotidiana. Por esta razòn, trato de expresarlos todos de la misma forma: mètodo que tiene su propia y precisa fuente de expresiòn dramàtica."

Roberto Rossellini

 

Publicación original de saynomoreglass

 

 

https://pixeldrain.com/u/EZ4Ec5z4

Roberto Rossellini - Viaggio in Italia (1954)

 

Inglés/English | Subs: Castellano/English (muxed)

85 min | x-264 720x472 ~> 720x540 | 1870 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps

1,22 GB

Viaje en Italia

La historia es, a priori, sencilla: un veterano matrimonio inglés (Ingrid Bergman y George Sanders) viaja a Italia para gestionar la venta de una villa que han heredado en las cercanías de Nápoles. Un principio tan simple sirve, no obstante a Rossellini para explorar la complejidad de las relaciones de pareja y el papel que el entorno desempeña en nuestros condicionamientos mentales a la hora de relacionarnos con los demás. Ciertamente, durante el viaje del matrimonio, su diplomacia conyugal fruto de largos años de convivencia, de tolerancia y de entendimiento en el que se han borrado las huellas de los rencores cotidianos, los enfados espontáneos, las recriminaciones por el pasado, aflora toda una serie de sentimientos, prejuicios y reproches que permanecían ocultos en el subconsciente de ambos, y que salen a la luz como un torrente reprimido. Ése, precisamente, es el principal papel de las largas tomas paisajísticas (a pesar de que la película dura solamente 80 minutos) mediante las que metafóricamente pretende insinuarse la transformación interior de ambos, provenientes de un clima más bien frío que les invita a la mesura, al comedimiento y al mantenimiento de las formas tan típico de la sociedad anglosajona, en relación con los cambios de temperamento que acusan según van viajando hacia el sur, donde el calor, la luz y la cercanía y la manera de ser tan sencilla y abierta de los paisanos actúa sobre ellos, impregnándolos de una perspectiva de la vida que hasta entonces desconocen.
La fundación y el cimiento de la modernidad cinematográfica. El relato de una crisis amorosa y existencial, a partir de un guión que se improvisaba todos los días poco antes del rodaje, sostiene un film que parece construirse de nuevo ante nuestros ojos cada vez que lo vemos. Obra de ruptura con el modelo neorrealista y con el canon clásico al mismo tiempo, el cine dejar de ser aquí un objeto artístico construido para convertirse en una experiencia en pos del conocimiento, cuyas imágenes no sólo son capaces de transformar a los personajes, sino también al cineasta y a los espectadores.

Journey to Italy

The film tells the story of an english couple who drives to Naples in order to sell a villa they inherited from a distant uncle. Katherine (Bergman) and Alex (Sanders), however, feel distant from each other and their relationship is marked by bitterness and the constant need for complaining and blaming each other for things they both are guilty of - it is clear their marriage is dead. Viaggio in Italia will never become a popular film. Rossellini’s avoidance of traditional dramatic construction with its increase of narrative suspense toward a resounding climax, the flat delivery of the English dialogue and the essentially antitheatrical acting style of his cast, his long takes and avoidance of climactic editing techniques, and his emphasis on minute psychological nuances in the lives of vapid and superficial protagonists will never result in box-office appeal in any commercial cinématic culture. But Rossellini’s innovations in cinématic narrative, even if not always quite so original as the enthusiastic French critics of the Cahiers du Cinéma group claimed, nevertheless represented an important alternative to the dominant cinématic language of Hollywood. A new generation of young filmmakers applauded his efforts to transcend established narrative structures, which were all too closely linked to the dramatic conventions of traditional film and literature. Italian neorealism had largely ignored psychological realism in an attempt to show how environment shaped character during the immediate postwar period, when unemployment and the reconstruction of Italy were the most important central facts of life. Rossellini’s Viaggio in Italia helped to move Italian cinéma back toward a cinéma of psychological introspection and visual symbolism where character and environment served to emphasise the newly established protagonist of modernist cinéma, the isolated and alienated individual

"Consiste en el seguimiento de los trayectos de los dos protagonistas, por separado, a través del paisaje napolitano en un itinerario que acaba llevando a que sus miradas enfrenten el vacío, en un ejercicio de toma de conciencia que les devuelve la imagen de ese vacío que anida en su interior, por medio de una figura de reflexión entendida en el sentido literal: la respesta a las miradas de los personajes es un mundo que toma cuerpo en tanto cavidad donde las miradas encuentran su propio reflejo. No existe, detrás de lo filmado, ninguna férrea estructura de guión que instaure la pasión como medida rectora del universo humano. Ni tampoco una puesta en escena que catapulte, con la precisión matemática de un mecanismo pasional, a los cuerpos, las miradas, los seres, hacia un encuentro definitivo y seguro del final del film. De hecho, la narración queda traspasada por la marca de la fragilidad, de la inestabilidad temporal." Roberto Rossellini
"¿Si es un cine moderno...? ¡Por supuesto! Me parece imposible ver Te querré siempre sin tener enfrente la prueba de que este filme abre una brecha, y de que todo cine debe pasar por ella bajo pena de muerte (...). Con la aparición de Te querré siempre todas las películas han envejecido de golpe diez años; nada más despiadado que la juventud, que esta intrusión categórica del cine moderno, donde por fin podemos reconocer lo que esperábamos confusos... He aquí nuestro cine, nosotros que nos disponíamos a hacer películas..." Jacques Rivette
"El caso de Rossellini es todavía distinto. Él es el único que tiene una visión justa, total de las cosas. Las filma, pues, de la única manera posible. Nadie puede filmar un guión de Rossellini porque uno se planteará siempre cosas que él no se plantea. Su visión del mundo es tan justa como su visión de detalle, formal o no. En él, un plano resulta hermoso porque es justo; mientras que en la mayor parte de los demás, un plano se vuelve justo a fuerza de ser hermoso. Estos últimos tratan de hacer una cosa extraordinaria, y si efectivamente llega a ser tal es cuando nos damos cuenta de que había razones para hacerla. Rossellini, por su parte, hace cosas que antes que nada tiene razones para hacer. Es hermoso porque es." Jean-Luc Godard
"El mundo de Rossellini es un mundo de actos puros, en sí mismos poco importantes, pero que allanan el camino (como si Dios mismo no lo supiera) de las repentinas y deslumbrantes revelaciones de su significado." Andrè Bazin

 

Una publicación original de saynomoreglass

 

 

https://pixeldrain.com/u/RH8aY2Ky

Roberto Rossellini - Atti degli apostoli (1969)

 

Italiano | Subs: Castellano/English (muxed)

Cinco episodios

Duración aproximada de c/u 58 min.

Episodio típico 1-4:

928x522 | 1800 kb/s | 93,6 kb/s AAC | 25 fps

Episodio 5

Duración 96 min.

736x414 | 2400 kb/s | 93,6 kb/s AAC | 25 fps
Todos Juntos (como la canción de Los Jaivas) en un archivo .rar 4,89 GB

Hechos de los Apóstoles

Mini serie de TV en cinco partes, producida por la RAI. Comienza con la figura de Pedro, que después de la muerte de Jesús es responsable de dar cohesión a la naciente comunidad cristiana. Luego es el tiempo de Pablo, con sus episodios de conversión y bautismo, y los viajes en los cuales pondrá en práctica su misión evangelizadora.

"Al leer los Hechos de los Apóstoles en la Biblia, es fácil olvidar que los acontecimientos que describe tardaron 30 años en desarrollarse. Aparte del prólogo, el evangelio de Lucas dedica 24 capítulos a los acontecimientos de tan solo 3 años, y la inmediatez de su de estilo de escritura cambia poco entre las partes 1 y 2 de su historia acerca de Jesús y sus seguidores.

Las películas sobre el tema han tendido a reforzar la rapidez con la que percibimos los hechos. Con 28 capítulos a resumir en unas pocas horas, es difícil construir el espacio para mostrar algo aproximado al paso real del tiempo.

Atti degli Apostoli de Rossellini (1968), sin embargo, marca un rumbo opuesto. Si bien incluye una gran cantidad de material bíblico (sólo se omiten los capítulos 19 y 24), se las arregla para transmitir la lentitud del proceso que terminó con la llegada de Pablo a Roma.

Rossellini lo logra utilizando varias técnicas, muchas de los cuales están peleadas con las del género épico. Las escenas de muchedumbres se mantienen al mínimo, al igual que las representaciones de milagros en pantalla (aunque hay ejemplos de ambas, especialmente al comienzo de la película). Los cuantiosos sermones se ofrecen en  un estilo de bajo perfil, en lugar de convertirse en el tipo de discurso conmovedor que es tan típico del género épico. Además, la mayor parte de las evangelizaciones de los apóstoles consiste de conversaciones mano a mano, o de cara a grupos pequeños, tal vez en una sinagoga lejana. La obra es contra-épica en otras formas; por ejemplo, en general no dramatiza las persecuciones al héroe y no incluye tramas secundarias románticas.

Hay varias otras formas en las que la película crea este ritmo más pausado. En primer lugar, Rossellini acentúa la acción con momentos en los que no pasa nada. Hay espacio cinematográfico en esta película, a menudo en el inicio o el final de una toma. En ciertos sentidos estos momentos de espacio no son necesarios, pero en otros aspectos son la esencia misma de la película.

Hay una toma magistral en el inicio de un episodio que comienza con un primer plano de un polvoroso camino. La toma se ensancha muy gradualmente a medida que la cámara se aleja, incorporando a Pablo y Bernabé en su caminata por la carretera a Pisidia. Es uno de los muchos ejemplos de la técnica de zoom Pan-Cinor de Rossellini - los planos largos que van y vienen llamando la  atención sobre varias partes de la escena, pero manteniéndose conectados con la totalidad de la misma. Aquí se inicia con el vacío de un sendero remoto, para luego ubicar a Pablo y Bernabé. La toma en su conjunto cuenta la historia de un largo paseo tranquilo a lo largo de un camino desierto.

Antes de este momento en la película, la acción se ha centrado en torno a una Jerusalén muy bulliciosa, con sólo breves incursiones en el mundo exterior. Pero de aquí en adelante, Pablo se convierte en el protagonista principal, y él y sus compañeros encaran una vida solitaria por los pueblos de Asia Menor. Incluso el concilio de Jerusalén se celebra fuera de la ciudad en sí.

La segunda forma en la que esta película sugiere una escala de tiempo más prolongada es haciendo hincapié en lo aislados que están Pablo y los otros discípulos los unos de los otros, y la ignorancia de todos de su propio impacto. Cuando Pablo se encuentra con los enamorados Prisicilla y Aquila, se queda atónito al descubrir que él, y su Señor, ya son bien conocidos en Roma. A medida que se acerca a la gran ciudad en las escenas finales, se vuelve a sorprender al descubrir que es conocido y admirado por una comunidad cristiana de tamaño considerable.

La gran fuerza de estas escenas radica en el poder emotivo que tienen a pesar de la moderación con que fueron filmadas y de la sobria actuación. De alguna manera, las numerosas sutilezas de las interpretaciones y la forma en que se filmó suman algo muy conmovedor. Otro ejemplo de ello es la reunión de discípulos en el concilio de Jerusalén. Antes de adentrarnos en el debate sobre la adhesión de los gentiles a la ley, Rossellini se detiene para mostrar a Pedro esperando a los otros delegados. Pero en lugar de estar absorto con los temas del concilio, da la impresión de estar anticipando la alegría de ver a sus amigos y hermanos de nuevo.Las tomas ultra largas de la película son, en sí mismas, otra forma en que la película sugiere el paso del tiempo. Tal vez la mayoría de las escenas en Hechos están filmadas en un solo plano largo. Por supuesto que hay excepciones, en particular la revuelta por hambre en Jerusalén, donde el montaje es tal vez una manera formal de hacer hincapié en que este episodio en particular es ficticio, pero éstas solo sirven para recordarnos de la tomas largas en otra partes.

Rodar las escenas en una sola toma da a los cortes entre estas escenas un significado adicional. Dentro de una toma la acción ocurre en tiempo real. Una vez que se rompe esa continuidad, el tiempo pasado mientras la cámara estaba apagada es desconocido y, por lo tanto, representa potencialmente un período prolongado.

 

 Los comentaristas han sugerido una serie de razones por las cuales Rossellini utilizó tanto el plano general, (acompañado por el zoom Pan-Cinor) y el plano secuencia. Para algunos autores se trata simplemente de economía – las tomas largas convierten el proceso de edición/montaje en una técnica simple de unir las escenas en el orden correcto, mientras se reduce el tiempo y el dinero gastado para alterar la iluminación y el maquillaje de cada escena. Otros comentaristas, sin embargo, aun aceptando la razón anterior, también lo ven como una forma de dar al film una estética más realista, y de permitir que la película aparezca más neutral.

En esta etapa de su vida Rossellini se encontraba plenamente en su periodo histórico, dirigiendo películas que según él "tienen por objeto que los seres humanos sean más racionales". Con este fin había vuelto a hacer películas para la televisión, donde "el espíritu [crítico] del individuo está más acentuado" El deseo de Rossellini de autenticidad histórica es evidente a lo largo de la serie. Una gran parte del primer episodio consiste de un escriba esclavo haciendo de guía de Jerusalén – incluyendo el comentario social e histórico - a un noble romano. En otras partes los vaivenes de los diversos Césares se introducen en la parte histórica que corresponde.

También hay mucha cotidianidad en Hechos. Los apóstoles pasan gran parte del tiempo realizando trabajos manuales. Pedro aparece tiñendo,  Pablo tejiendo, Esteban sirviendo comida, etc. A menudo, los discípulos predican el evangelio mientras trabajan, un tema que volvería a aparecer en Il Messia.

A pesar de esto, la preocupación de Rossellini no es tanto la de recrear detalladamente el período sino la de recrear la obra que está adaptando. Esto también es evidente en sus otras obras históricas que también son adaptaciones. Así, pese a que la vestimenta y los lugares son bastante realistas, esta parte no se observa tan rigurosamente como en muchas películas históricas actuales. El objetivo es de recrear (la sensación de) el trabajo en lugar de los eventos que la obra analiza.Esta es una de las razones por la que muchos de los relatos milagrosos no se muestran directamente. Esto es simplemente una característica de la obra de Lucas que Rossellini está tratando de recrear. Sin embargo, Rossellini se sirve más que Lucas de los personajes que narran eventos sobrenaturales. Si bien esto puede parecer incongruente, solo refleja la manera en que se ha contado esta historia desde entonces.

Hay dos razones más que explican por qué Rossellini retrata los milagros de esta manera. En primer lugar, describir los milagros es mucho más ambiguo que mostrarlos. Esto permite que el espectador pueda acercarse a ellos desde su propia perspectiva, sin forzar una opinión particular. En segundo lugar, los pone en otro contexto. Situados en un contexto nuevo, vuelven a sorprender como sorprendieron al público original, liberados de los límites de la familiaridad.

Esta nueva contextualización también se observa en algunos de los discursos pronunciados por los apóstoles. "En esta película, los personajes dan una relevancia atrevida a sus palabras al pronunciarlas, paradójicamente, de forma monótona, muy a menudo sin ningún tipo de inflexión... [Concentrando la atención] en las ideas y la influencia de las corrientes históricas. “ (Peter Brunette)

Otro posible desacuerdo entre esta película y el libro radica en su gran respeto por el judaísmo de la época. El extenso prólogo sitúa la narración firmemente en un contexto más amplio que explica, por ejemplo, que el cristianismo fue solo una de varias sectas judías. También hace hincapié en el judaísmo de los primeros apóstoles. Antes de su conversión, podemos ver a Saúl sentado en el Sanedrín, y aún después de su viaje a Damasco conserva sus rizos laterales.

También hay partes en donde la película cuestiona la forma en que Pablo utiliza la red de sinagogas para difundir su mensaje. ¿Está abusando de la hospitalidad brindada? ¿Tienen los judíos una buena razón para no abandonar su antigua fe?

Tales preguntas no deben ser vistas como una crítica directa a Pablo. De hecho, su dedicación y su autenticidad se muestran con total claridad.

Afortunadamente, las imágenes son tan memorables que opacan cualquier defecto. Al igual que el libro, las palabras exactas utilizadas por los apóstoles ya no se pueden recuperar, pero perdura el impacto de lo que lograron. " (Matt Page en Bible Films ) Traducción mía

Acts of the Apostles

Screenplay by Rossellini, Jean-Dominique de La Rochefoucauld, Luciano Scaffa, based on the New Testament. With Tunisia standing in for the Holy Land, and Osta Antica for Rome, Rossellini charts the early history of Christianity through the journeys and preachings of the apostles as they convert and baptize the people, argue the words of Christ, and interact with secular authorities. Made in five episodes.

Review by Matt Page in Bible Films

Diffondere l’amore universale e la cultura del perdono di fronte a civiltà insane, crudeli o indifferenti. È quel che gli apostoli di Gesù Cristo, dopo la crocifissione di questi e la Pentecoste, cercano di fare nei loro pellegrinaggi di città in città, di stato in stato. Diramando la parola del loro defunto (e risorto) Maestro, e fondando, con estrema difficoltà, le piccole prime comunità cristiane che saranno i focolai di una nuova era.
Gli Atti degli Apostoli costituiscono il quinto libro del Nuovo Testamento e sono la continuazione quasi naturale del Vangelo secondo Luca, distinguendosi dal resto dei contenuti religiosi della Bibbia, in quanto offrono un particolare spaccato storico delle origini della primitiva chiesa cristiana e la descrizione dell’attività dei antichi predicatori. Rossellini prende questo materiale e ne fa una miniserie in 5 puntate, trasmessa in televisione dal 5 aprile al 4 maggio 1969.

Subtítulos en castellano míos

 

 TV rip de Dagomir (KG) con logo, pero de

mejor calidad que el que publiqué originalmente en 2012

 

 

https://pixeldrain.com/u/5ddxJi6J

 

Roberto Rossellini - Cartesius (1974)

Italiano | Subs:Castellano/English/Français/Português (muxed)

74 + 87 min | x264 700x525 | 1900 kb/s (promedio) | 192 kb/s AC3 | 23.976 fps

Dos partes:  1,20 GB +1,28 GB

Vida del gran filósofo, fisico y matemático francés René Descartes (en latín Cartesius(o)) desde su adolescencia en un colegio jesuita hasta su muerte repentina debido a una profunda depresión...

René Descartes (Cartesius) de Roberto Rossellini es un film de 1974 que narra la vida del filósofo ,matemático y físico francés considerado el padre del pensamiento moderno .La película deja entrever diversos aspectos que alimentaron su curiosidad respecto al conocimiento tanto en su formación en el colegio jesuita de La fléche y en la universidad de Poitiers y , la difícil tarea de darle justificación a la razón como base de todo saber.La situación deprimente y trágica que el final nos transmite sobre el filósofo nos recuerda la ardua tarea de soledad y desasosiego en la cual han vivido los grandes pensadores por el afan a la verdad .Se especuló que tras su viaje a Estocolmo en 1649 por una invitación de la Reina Cristina de Suecia y su posterior muerte por neumonía sea real.Se ha sugerido que el pensador en realidad fue envenenado con arsénico.Y esa es la discusión que permanece hasta el día de hoy en torno al filósofo ,además de una espléndida obra que tiene el sello de la frase que lo inmortalizaría en la hisotria del pensamiento occidental:Cogito ,ergo sum(1) (pienso, luego existo o literalmente pienso ,por lo tanto existo).Con esto podemos decir que Descartes se ha convertido también en el arte cinematográfico en un clásico gracias al genio de Rossellini. (Filosofìa Mòvil)
A comienzos de los años 60, Roberto Rossellini anunció que abandonaba el cine comercial de ficción, en el que ya no creía. Su episodio “Illibatezza”, que forma parte de la película colectiva “Rogopag” (1962) puede considerarse como su última película de ficción y con ella Rossellini, según J.L. Guarner (en: Roberto Rossellini. Ed. Fundamentos, 1985, pág. 160), quería “mostrar fría y lúcidamente que el cine no es más que apariencia”. Para Guarner es preciso ver en este filme no una denuncia de la imagen convencional, sino un rechazo de la misma.
Finalmente, Rossellini declaró en 1963 lo siguiente: “quiero retirarme de la profesión y pienso que tengo la obligación de prepararme –con toda libertad- para replantearlo todo desde el principio”. Empezó así unabúsqueda de lo que él mismo llamó la “imagen esencial” que debería reunir una serie de características, y la primera era sin duda la de abandonar el espectáculo para propiciar una vía hacia el conocimiento.
Construyó, con este objetivo, su teoría y su práctica del “cine didáctico”, que desarrolló desde entonces en la televisión, medio ideal, según Rossellini, para este tipo de cine. Ni que decir tiene que las pretensiones de Rossellini, las de utilizar la televisión pública como “universidad popular” para expandir el conocimiento y el saber, han sido absolutamente desmentidas por la realidad. El intento que hará Rossellini de crear una “enciclopedia televisiva” durante 10 años, entre 1964, con “La edad del hierro (L’età del ferro)” y 1974 con “Cartesio (Cartesius)”, resulta hoy, a la vista de en qué se ha convertido la televisión, algo casi patético y que, desde luego, ha sido prácticamente olvidado, hasta en los departamentos universitarios de pedagogía de la imagen.Señalemos que, a diferencia de lo que pensaba Jean Renoir, que hizo algún intento postrero en su carrera de encontrar un “lenguaje específico” de la televisión, diferente al del cine; Rossellini creía que cine y televisión compartían un mismo lenguaje, por eso él siempre dijo que sus producciones televisivas pertenecían al ámbito del “cine didáctico”. En definitiva, como ha sido señalado, “Rossellini con sus obras didácticas -nueve producciones televisivas y dos cinematográficas- y sus textos teóricos -recogidos en numerosos escritos, entrevistas y en tres ensayos-, propone un regreso a la inocencia” (Àngel Quintana.“El camino del cine didáctico de Roberto Rossellini”. En: Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, 2002). Esa “inocencia” suponía una vuelta a los orígenes, ya que: “el cine fue creado también como un instrumento para conocer el mundo. Los films de los hermanos Lumière proponían al espectador una visión primigenia de las cosas, que poseía un carácter marcadamente inocente”. Por eso Rossellini se interesó vivamente en el pensador renacentista Leon Battista Alberti, que buscaba una relación clara entre arte y ciencia, y a partir de ahí reivindicó una utilización racional del arte (A. Quintana, op. cit.).
Para Rossellini el arte era una vía privilegiada de conocimiento, que permitía aproximarse con exactitud a la verdadera naturaleza humana pero, paradójicamente, con la condición de renunciar a lo que le es propio,a la “estética”. Su actitud era “contraria a cualquier forma de búsqueda estética y a una toma de posición personal que reconstruyera otra realidad diferente a la observada”, ya que “consideró que el cine había de ser sobre todo un vehículo para comunicar ideas y que las imágenes deberían ponerse enteramente al servicio de éstas, nunca de una estética”. Y es que “la teoría de Rossellini sobre la información a partir de la imagen tiene sus raíces en un texto pedagógico del siglo XVIII, escrito por el pensador checo Jan Amós Comenius, Didáctica magna. En dicho texto, Comenius considera que la dificultad para aprender proviene del hecho que las cosas no se enseñan a los alumnos por visión directa sino mediante aburridísimas descripciones (..). Comenius reivindicaba el método de conocimiento a partir de la experiencia. Reclamaba la visión directa de las cosas” (A. Quintana, op. cit.). (...) (Texto de Luis Martin Arias, tomado de Filmoteca de Caja España)

As profoundly simple as its hero’s famous statement “I think, therefore I am,” Roberto Rossellini’s Cartesius is an intimate, psychological study of obsession and existential crisis.

 

Rossellini said his idea for the movie came from a book by Benedetto Croce, who thought Descartes hopelessly abstract. Yet Rossellini felt that if he could translate the “incredible chaos of the times” into his movie, “viewers would understand immediately why Descartes felt the need to write a Discourse on Method.” Rossellini described Descartes as less likable than Pascal, even “a son of a bitch, a coward, a lazy person. He was quite repulsive, of course, not simpatico. But I don’t care about that. He was intelligent.”

Cartesius cost about $130,000 and was financed by Italian and French television. Rossellini had planned to shoot in France, in English, with an American actor playing Descartes, for American television. The French were unhappy with English and an American in a French movie on Descartes. When the smoke cleared in February 1973, the production had moved to locations near Rome, an Italian was playing Descartes (Ugo Cardea), and on the first morning the actors learned they would enunciate brand-new dialogue in French. French television refused the film, however, for lack of authenticity, so, ultimately, it was dubbed into Italian and shown only in Italy.

Cardea wanted to proclaim Descartes’ famous line “I think, therefore I am.” But Rossellini said, “Say it as if you’re buying cigarettes. Do you think Descartes was figuring out that moment what he was saying? He’d been thinking about it all his life, which is why he’d say it now without any particular expression.”

 

"Lo más humano que existe es el saber, no hay cosa más humana, y nosotros ya no sabemos nada.Creo que éste es un hecho fundamental en nuestra vida." Roberto Rossellini

DVD rip de Utopia,  compartido por winterlight

La versión XviD original fue publicada por saynomoreglass el 16/8/2011

 

 

Primera parte

 

Segunda parte

 

Roberto Rossellini - Blaise Pascal (1972)

 

Dual* Francés/Italiano | Subs:Castellano/English (muxed)

129 min | x264 700x468 ~> 700x525 | 2400 kb/s | 192 kb/s AC3 (x 2) | 23.97 fps

2,57 GB

Un Blaise Pascal obsesionado por comprender todo aquello que lo rodea, para quien nada de lo humano le es ajeno. A diferencia de lo que podía presuponerse, este Pascal de Rossellini no es un científico, sino alguien que, al querer observar más, se asemeja más al artista, a la voluntad que guía al propio director.

"Durante principios de los años 60, Roberto Rossellini fue el cineasta italiano más famoso, considerado como el inventor del neo-realismo y el ícono del cine moderno; decidió alejarse de la ficción y la dirección cinematográfica para dedicarse a lo que él llamó “una nueva misión para el cine”. Quería unir las fuerzas del cine y la televisión, a través de un ciclo de películas y programas, un gran, un inmenso programa acerca de las empresas humanas de la época de las cavernas hasta la conquista del espacio, a través de la invención de las artes y técnicas (desde 7000 AC hasta el presente: la Edad de Hierro, el Renacimiento, la industrialización...).
El proyecto (enorme: más de 60 horas, la mitad realizadas entre 1963 y 1974) es enlazada explícitamente a las ambiciones enciclopédicas de la Ilustración. Rossellini busca establecer nada menos que un nuevo humanismo: quería dar a la gente de su época - por lo menos a quienes iban al cine o veían la televisión - su historia y, a través de ella, el sentido de sus vidas, para aprender a pensar sobre el mundo y su condición, para recuperar la capacidad de imaginar y de recobrar el deseo de saber, de ser curioso. Hay una dimensión política en el proyecto que redunda en la alienación del consumo y de la publicidad (...)
El cineasta confiaba en que las personas son capaces de entender el mundo a través de sus ojos y mediante la escucha: confía en los poderes del cine para mostrar cómo la humanidad vivía anteriormente, cómo hablaba, se movía, comía, se desgastaba, etc... Filmar la humanidad en su época nos dio una gran cantidad de información inmediatamente comprensible para el espectador, independientemente de su educación. La película quería enseñar al espectador la manera de "ver realmente", de "ver por sí mismo (...)" (Del borrador de Jean-Louis Comolli para La Última Utopía, febrero de 2005)
Repaso de la vida del filósofo francés Blaise Pascal desde los 16 años hasta su muerte, ocurrida cuando sólo contaba 39. Pascal, persona de salud delicada, fue adaptando poco a poco el rigor religioso de los jansenistas, viviendo una vida de angustiosas contradicciones, entre un padre dedicado a la administración pública y una hermana muy devota, en una atmósfera de superticiones, conflictos religiosos y juicios de brujas que caracterizaron al siglo en que vivió.
Blaise Pascal (Clermont-Ferrand, Auvernia, Francia, 19 de junio de 1623 - París, 19 de agosto de 1662), matemático, físico y filósofo religioso francés. Sus contribuciones a las ciencias naturales y aplicadas incluyen la invención y construcción de calculadoras mecánicas, estudios precursores de la teoría matemática de probabilidad, investigaciones sobre los fluidos y la aclaración de conceptos tales como la presión y el vacío. Después de una experiencia religiosa profunda en 1654, Pascal abandonó las matemáticas y la física para dedicarse a la filosofía y a la teología, publicando en este periodo sus dos obras más conocidas: Las Lettres provinciales (Cartas provinciales) y Pensées (Pensamientos).
Una bellísima y nada fácil película del maestro Roberto Rossellini, en la que no sólo narra la vida del personaje protagonista, sino que además nos da un completísimo retrato en diversas estampas del siglo diecisiete francés. La secuencia del entablillamiento de la pierna de Pascal, sólo puede ser filmada así, por alguien que conozca perfectamente los escritos médicos de la época. Esta película, junto a SOCRATE y CARTESIUS compone la trilogía filosófica rosselliniana. (Cine Clàsico)

In this evocative, atmospheric biography, Roberto Rossellini brings to life philosopher and mathematician Blaise Pascal, who, amid religious persecution and ignorance, believed in a harmony between God and science. One of the most beautiful of Roberto Rossellini’s unsentimental, highly analytic, deeply moving present-tense histories, Blaise Pascal examines seventeenth-century Europe from the perspective of a scientist, philosopher and mathematician who helped change the world by advancing the cause of reason. 

"Creo que debemos empezar a mirar el cine de una forma muy diferente y abandonar antes de nada todos los tabúes del cine. El cine, al principio, era un descubrimiento técnico, incluso el montaje. Más tarde, en el cine mudo, el montaje tuvo un significado preciso porque representaba el lenguaje. Después del cine mudo, se heredó este tabú del montaje, pero el montaje había perdido enormemente su sentido. Por tanto, es en el rodaje cuando el autor puede aportar verdaderamente su propia observación, su propia moral, su visión particular de las cosas." Roberto Rossellini

DVD rip de Utopia

 

Subs en castellano de loperena

 

*Publico este rip con las dos BS originales,

para la TV italiana y francesa respectivamente.

El idioma se puede elegir en el menú del reproductor utilizado.

 

El rip original del film fue publicado por saynomoreglass

 

 

https://pixeldrain.com/u/rTdqBazn