25 noviembre, 2020

Volker Schlöndorff - Mord und Totschlag (1967)

 
Alemán | Subs:Castellano/English (muxed)
82 min | x264 672x576 ~> 960x576 | 2900 kb/s | 224 kb/s AC3 | 25 fps
1,79 GB
 Asesinato y homicidio culposo*
 La relación entre Hans y Marie está en ruinas. Cuando él decide dejarla para siempre e insiste en acostarse con ella por última vez, ella toma su pistola y aprieta el gatillo. Hans está muerto y su cuerpo sin vida tiene que desaparecer lo más rápido posible. En un pub conoce al joven mecánico Günther, a quien puede persuadir para que la ayude a sacar el cuerpo. Junto con Fritz, el amigo de Günther, emprenden un viaje por carretera al campo. En la euforia de la vida, el asesinato queda cada vez más relegado a un segundo plano, pero el cadáver sigue ahí...
 Una joven en una discusión mata a su novio, del que está a punto de separarse. Contra el disparo en su corazón, ella lleva Alka Seltzer, con las siguientes palabras: "¡Todo volverá a estar bien! Cuando se da cuenta de que está muerto, ella misma se toma el analgésico y se duerme sobre él. Luego sale a la calle a buscar a alguien que la ayude a deshacerse del cuerpo. Jugar con el cuerpo es tan provocativo como irrespetuoso. Se le pasa por encima, se le empuja, se le empaca, se le expulsa, se le entierra. A veces sirve como adorno lateral, a veces como almohada durante el sueño. Schlöndorff muestra entonces el funeral: la vida es una tortura y la muerte un carnaval.

De manera extrema, Schlöndorff escenifica extractos, detalles que nunca apuntan a un todo, sino que presentan situaciones concretas en un entorno concreto. La imagen de una generación toma forma - más allá de la calma y la rebelión, la visión de una espontaneidad juvenil, una ecuanimidad casi existencialista. Por otro lado, la película es también una variante moderna de Schubert: "Ahí, donde no estás, está la felicidad.
  
En resumen, esta película es poco más que un intento poco feliz de Schlöndorff de nouvellevaguear en la Alemania de 1966. La traigo al blog como curiosidad, por la participación de la legendaria Anita Pallenberg, y la música del no menos legendario Brian Jones. Los subtítulos en castellano son de un servidor no tan legendario.

*La película nunca se estrenó en un país de habla hispana y por lo tanto no tiene título comercial en castellano. Según mi poco conocimiento, Mord und Totschlag sería algo como en inglés Murder and Manslaughter, y le he dado un título parecido en castellano. También la podríamos llamar - siguiendo la tradición - La fuerza del olvido u otra pavada por el estilo.
Degree of Murder
 The film opens up in Munich where Marie (Anita Pallenberg) has recently broken up with her boyfriend and after trying to move on with her life has hit a wall. Her failure to get on the other side, where in the past she has frequently seen herself leading a happier life, has exhausted her so much that all she wants now is peace and quiet to recover. 

On a night when Marie could barely stand on her feet, however, her agitated boyfriend returns to her apartment and they have a huge argument, at the end of which she accidentally pulls the trigger of his gun and kills him...
Marie does not panic. She leaves the apartment and then in a nearby bar offers cash-strapped Gunther (Hans Peter Hallwachs) five hundred marks to help her get rid of the body. At first the stranger turns down the offer, but then changes his mind and they take a taxi to her place in Harras. They relax for a few days, make love, and eventually decide to go to work. But Gunther correctly predicts that they would need another set of strong hands to carry the cold body down the stairs to their car, which is why he asks his drinking buddy Fritz (Manfred Fischbeck) if he would be willing to help in exchange for cash. When he agrees, they remove the body from Marie's apartment and leave the city. The trio's plan is to drive deep inside the countryside and then dispose of the body at a remote location where no one would ever bother to look for it.
[...] Schlöndorff's film leaves the impression of a small-town German hippie trying to be cool amongst the popular international boys. In other words, it is a simple time capsule whose strongest asset was the enthusiasm of its creator to make a statement that 'different' films can flourish in Germany as well. This is something that is worth admiring, though, particularly given the fact that Schlöndorff managed to make it on a budget.

DVD rip & English subs by tomask


 

 ºººººººººººººººººº
 Volker Schlöndorff  y Anita Pallenberg

Anita y Brian Jones
 

20 noviembre, 2020

Mikio Naruse - Midareru (1964)

  

Japonés | Subs: Castellano/English/Portugués
98 min | XviD 720x320 | 1859 kb/s | 128 kb/s mp3 | 23.97 fps
1,36 GB
Tormento
 Una mujer, viuda de un hombre enviado a la guerra, vive su vida sirviendo a sus suegros. En la sociedad japonesa después de la Segunda Guerra Mundial este tipo de situación para las mujeres era bastante común. Hideko Takamine en Midareru, dirigida por Mikio Naruse, y Setsuko Hara en Tokyo Monogatari, dirigida por Yasujiro Ozu interpretan a mujeres en tales situaciones, aunque con ciertas diferencias.

Reiko (Takamine Hideko) es viuda del que hubiese sido el heredero de una pequeña tienda de bebidas en una pequeña ciudad. La tienda fue destruida por los bombardeos durante la guerra, pero ella fue quien la reconstruyó después de la guerra y lo hizo aún más grande que antes gracias a 18 años de trabajo duro. Ella es una mujer que se acerca a la edad mediana, todavía bonita, pero que nunca ha considerado tener otra pareja. Pero cuando su cuñado Koji - que tiene 18 años menos que ella - confiesa su amor por ella, su determinación sufre un cambia brusco...

Yearning
A woman, whose husband went off to war and was killed shortly after their marriage, lives her life as a widow serving her parents-in-law. In Japanese society after World War II, such women were not few. Takamine Hideko in Midareru directed by Mr. Naruse Mikio, and Hara Setsuko in Tokyo Monogatari directed by Ozu Yasujiro play women in such situations, though in quite a different way.

Reiko (Takamine Hideko) is a widow of a would-be heir of a small beverage shop in a small city. The shop was destroyed by the air-raids during the war, but she was the one who rebuilt it after the war and made it even larger than before through 18 years of hard work. She is a woman approaching middle age, still beautiful but who has never considered having another romantic partner. But when her brother-in-law, Koji – who is 18 years younger than her - confesses his love for her, her firm mind suddenly changes...

Subtítulos en castellano de Mario Vitale
 
 
 

10 noviembre, 2020

Billy Wilder - The Lost Weekend (1945)

 
Inglés | Subs: Castellano/Portugués/Français/English/Italiano (muxed)
100 min | x-264 960x720 | 5700 kb/s | 256 kb/s AC3 | 23.976 fps
4,19 GB
Días sin huella
Don Birnam (Ray Milland) es un escritor fracasado a causa de su adicción al alcohol, adicción que lo ha destruido física y moralmente y lo ha convertido en un hombre desprovisto de voluntad. Con tal de seguir bebiendo es capaz de todo, incluso de robar. Tanto su novia (Jane Wyman) como su hermano intentan por todos los medios regenerarlo, pero sus esfuerzos parecen estériles.(FA)
La acción se desarrolla a lo largo de un fin de semana, aunque Wilder nos muestra los orígenes de los problemas de Don (muy original el primer encuentro entre éste y Helen en el recibidor de la ópera) mediante un par de flashbacks muy bien integrados dentro de la narración. Asimismo, es preciso subrayar tanto la fotografía en blanco y negro de John F. Seitz como la partitura del gran compositor húngaro Miklós Rózsa. ~Ver nota completa en Esculpiendo el Tiempo
Billy Wilder's celebrated adaptation of the Charles Jackson novel about an alcoholic (Ray Milland) going off the wagon on a frightening weekend binge. The film won a whole slew of Oscars when it came out in 1945; today it's less impressive but not without its virtues, including the location photography of lower Manhattan, the performances (by Milland, Jane Wyman, and Frank Faylen, among others), and a chilling sequence devoted to the DTs.
--Jonathan Rosenbaum
Although ultimately less bleak than Charles Jackson's autobiographical novel (it ends on an affirmative note and leaves out the book's hints of troubled homosexuality), the film is uncompromising in its depiction of the lies, self-deception and degradation that alcoholism leads to, and its confrontation of the fact that the only solution is abstinence. Jane Wyman (long-suffering girlfriend) and Howard Da Silva (sympathetic bartender) provide exceptional support to Milland, who rightly won an Oscar. Academy awards also went to the script, the direction and the movie itself.
-- The Observer

Blu Ray rip de atuncito

 
 

09 noviembre, 2020

Michelangelo Antonioni - L'Eclisse (1962)

 
Italiano | Subs: Castellano/EN/PT/FR/IT (muxed)
126 min | x-264 718x464~858x464 | 1670 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,64 GB
Vittoria (Monica Vitti) después de una noche discutiendo con su novio Riccardo (Francisco Rabal), decide cortar con una relación que era para ella asfixiante. Mientras disfruta de su renovada soledad en compañía de su madre, conoce a Piero (Alain Delon), un joven y atractivo corredor de bolsa. Él es un seductor arrogante pero ella inhibe sus reticencias iniciales hasta acabar teniendo con él un tórrido y pasional romance. Ambientada en Roma, ciudad que compartirá protagonismo como el espejo emocional del personaje de Vittoria, Antonioni completa su trilogía (después de "La aventura" y "La noche") y construye una película con los temas principales de su obra fílmica: la incomunicación de la pareja y la soledad. Una obra maestra.
Esta obra es integrante de la llamada tetralogía de Antonioni compuesta además por los films La Aventura (1960), La noche (1961) y El desierto rojo (1964), que presentan una característica temática y de recursos para la construcción del relato similares. En El Eclipse hallamos, como así también en las restantes, una evidente relevancia atribuida a los espacios que no solo aluden a una búsqueda de estructuración visual sino que reciben una semiotización en el seno del film que corresponde a la producción de sentido por albergar y complementar la acción propuesta mas también a su posibilidad de encarnar conceptos o referencias específicas.
  Particularmente en este film los ambientes son hostiles, fríos, no permiten a los personajes guarecerse en ellos, efecto que está además incrementado por la cruda dicotomía blanco-negro empleada. Es notoria la función que ejercen las líneas que, brutales, son trazadas sobre la imagen fílmica adhiriéndole cierto carácter de encierro, de limitación, acorde con la búsqueda de la obra. Una pequeña excepción se producirá en la escena en que ambos están en el departamento y, en correlación a ese momento de conexión, el ambiente se verá más ligero en tanto ella se esconderá tras unas vaporosas cortinas mientras ríe.También es característica la mostración del cuadro como producto de un trabajo técnico, es decir, evidenciar la existencia de la cámara y tras ella un ánimo de creación que difiere de la búsqueda clásica de armar un relato transparente y en consecuencia a sus movimientos. (Cartelera10.com)
 
 "Hay un antes y un despuès de Antonioni." Jacques Rivette

Michelangelo Antonioni's L'Eclisse rolls over you and wraps you in its stylish embrace. The plot, such as it is, follows Vittoria (luscious Monica Vitti, The Red Desert) as her engagement falls apart and she slowly falls into a giddy but anxious affair with Piero (Alain Delon, Le Samourai, Purple Noon), a trader in Rome's stock exchange. Like Ingmar Bergman (Scenes from a Marriage, Persona), Antonioni examines the nuances of human relationships--but where Bergman is dense and dialogue-driven, Antonioni is spare and visual (there's maybe a page of dialogue in the first fifteen minutes of L'Eclisse). Every frame is like an exquisite black and white photograph, yet there's nothing static about this movie. It's fluid, sleek, and graceful, achieving its own kind of visual music. L'Eclisse contrasts opposing elements: Light and shadow, noise and silence, laughter and death, love and money, desire and dissatisfaction. Critics often describe the movie as a portrait of modern alienation, but they focus too much on Vittoria herself; while she finds her own life wanting, all around her Antonioni's camera captures a much larger world, full of as much vitality as despair, as much hope as loss. This is a movie essential to anyone's understanding of what movies can be. (Bret Fetzer )


DVD rip de la edición Criterion de Gaspar123 (KG) 
 
Publicada por saynomoreglass en 2009


06 noviembre, 2020

Kenji Mizoguchi - Utamaro o meguru gonin no onna (1946)

 
Japonés | Subs: Castellano/English/Italiano/Français (muxed)
94 min | mkv-X264 960x720 | 2500 kb/s | AC3 192 kb/s | 23.97 fps
1,78 GB
 Utamaro y sus cinco mujeres
Utamaro vive para el arte. Su pasión es plasmar el universo femenino, el cuerpo de la mujer, su rostro inocente, la profundidad de su mirada y, lo más importante, la constante degradación a la que es sometida. La ciudad de Tokio es testigo de sus hermosos grabados, a cuyas protagonistas encuentra en prostíbulos. El artista, inmerso en un mundo de pasión y anhelos, descubrirá que el arte, a veces, puede meterlo en problemas.  (sensacine)
Kitagawa Utamaro (1753 - 1806) era un pintor de estampas japonés, considerado uno de los mejores artistas de los grabados ukiyo-e. Se le conoce especialmente por sus magistrales composiciones de mujeres, conocidas como bijinga. También hizo estudios de la naturaleza, en particular libros ilustrados de insectos.

Su obra llegó a Europa a mediados del siglo XIX, donde se hizo muy popular, disfrutando de especial aceptación en Francia. Influyó a los impresionistas europeos, particularmente por su uso de vistas parciales, con énfasis en la luz y la sombra. (Wikipedia)

 
 
Utamaro and his Five Women
Utamaro, the master of ukiyo-e (the Japanese art of woodcut printmaking), lived during the Edo period (1603-1868). An artist who symbolized rebellion against the feudal system, Utamaro was a non-traditionalist in whom director Mizoguchi found a kindred spirit. His film provides “an extraordinary feel for the rhythms of daily life in the marketplace, back alleys, and geisha parlors of imperial Tokyo. On one level, this is the story of Utamaro as a popular ‘democratic’ artist, a painter of ‘common women,’ and a rebel against the reactionary academic schools of printmaking. The film also tells the story of several of the women Utamaro painted, the courtesans and commoners who inspired his blasphemous masterworks.
Utamaro e le sue cinque donne
Realizzato subito dopo la guerra, Utamaro e le sue cinque donne racconta alcuni episodi della vita di uno dei più leggendari artisti giapponesi, Utamaro Kitagawa (1753-1806), specialista nelle stampe ukiyo-e, che raffigurano donne di ogni tipo e di ogni classe sociale, sconvolgendo con il suo stile i tradizionali canoni estetici. Intorno a lui ruotano le vicende dell'incisore Seinosuke innamorato inizialmente di Yukie, figlia del grande pittore Kano; della prostituta Okita, amata da Shozaburo, che però fugge via con Takasode, incantevole modella il cui corpo viene dipinto da Utamaro, così come quello di Oran, altra splendida donna che affascina il pittore e anche Seinosuke. (filmscoop.it)
 



01 noviembre, 2020

Roberto Rossellini - Francesco, giullare di Dio (1950)

 
Italiano | Subs: Castellano/English/Français/Portuguêa (muxed)
87 min | x264 710x480 ~> 710x532 | 3200 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
2,07 GB
Francisco, juglar de Dios
La película no es una biografía de Francisco, sino once episodios tomados de las Florecillas, en los que se manifiesta el espíritu de la reforma franciscana. En ella se ilustra un breve periodo de tiempo de la vida de la primera comunidad franciscana, desde el regreso de Francisco de Roma hasta la separación de los discípulos, enviados a predicar la palabra de Dios a todo el mundo; sirven como introducción al relato algunos cuadros que reproducen frescos de los siglos XIII y XIV sobre la vida de Francisco.
Federico Fellini es co-autor del guión.

"El film más hermoso del mundo" - François Truffaut
"Dentro de lo más bello del cine italiano" - Pier Paolo Pasolini
 
Muy buen DVD rip de JM2L
 
Flowers Of St. Francis
Roberto Rossellini and co-writer Federico Fellini lovingly render the very spirit of Franciscan teaching in this extraordinarily fresh and simple film which was unappreciated at the time of its release, but now regarded as one of his greatest. Shot in a neorealist manner with non-professional actors (including thirteen real Franciscan monks from the convent of Nocere Inferiore) it avoids the pious clichés of hallowed movie saints with an economy of expression and a touching, human quality.
Les Onze fioretti de François d'Assise
Inspiré des Fioretti – de courts écrits tirés de la vie de François d'Assise – ce film retrace en onze tableaux le quotidien des frères franciscains. Onze sketchs qui retracent la vie et les principaux actes de François d'Assise qui a embrassé la religion et parses efforts, a tenté d'établir une harmonie entre la vie et la spiritualité, ainsi que d'autres moines du XIIIè siècle en Ombrie.
Il film non è una biografia del Santo, ma consta di undici episodi, tratti dai Fioretti, nei quali si manifesta lo spirito della riforma francescana. Vi è illustrato un breve periodo della vita della prima comunità francescana, dal ritorno di Francesco da Roma al separarsi dei discepoli, inviati a predicare la parola di Dio in tutto il mondo; servono da introduzione al racconto alcuni quadri riproducenti affreschi del duecento e del trecento sulla vita di Francesco.
 


ºººººººº