Sueco | Subs:Castellano/English/Français (muxed)
84 min | x264 986x720 | 9100 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
5,58 GB
Elisabeth (Liv Ullmann), es una conocida actriz teatral que durante una
representación de Electra se queda sin habla. Ingresada en un hospital,
aunque no sufre ningún tipo de enfermedad continúa sin pronunciar sonido
alguno. Para sacarla de su mutismo, se traslada junto con Alma (Bibi
Andersson), su enfermera, a una casa de verano.
“Persona”(1966) es la película número 27 de Ingmar Bergman. Con ella y
“Gritos y susurros” (1972), según el mismo director habría llegado al
límite de sus posibilidades creativas. Lo que el director entiende aquí
por llegar a su propio límite tiene también que ver con su propia
concepción de la relación que se establece entre arte y vida.
Recorriendo en sus memorias su producción artística, Bergman reconoce
que habiendo probado todos los medios de expresión artística, todos ellos le parecían insuficientes, mientras que con “Persona” es
capaz de mostrar aquello que es solo mostrable a partir del medio
cinematográfico.
“Persona” se gesta además en un momento de crisis personal del director.
Convalesciente a causa de una neumonía y superado por la carga
burocrática que le supone la dirección del teatro, experimenta un retiro
similar al de los personajes. No en vano, dijo en algún momento
“Elisabet Vogler soy yo”. Y afirma rotundamente en su biografía Imágenes
que, de hecho, “Persona” le salvó la vida.“Persona” es una obra
singular en su género. Diríamos con propiedad que ella misma es su
propio género y estamos de acuerdo con Bergman que aquello que se
muestra en la película solo podría ser mostrado en este formato. La
película es en sí un ejercicio de reflexión filosófica cuyo contenido y
forma son indisolubles. “Persona” no debía llamarse en realidad así sino
que el título original del film era “Cinematografía”. (Fragmentito
del texto de Núria Sara Miras Boronat, tomado de “Máscara, lenguaje y el
sueño imposible de ser. Una lectura filosófica de “Persona” de Ingmar
Bergman.”)
La dominación por el silencio, creando la necesidad de contacto humano
verbal en el ser más indefenso o, al menos, más confiado, se muestra en
la película como aparente tema central de la misma. El proceso de
vampirización entre la enfermera y la actriz "muda", se me antoja
insuperable, el grado de identificación progresiva entre ambos
personajes queda explícito en un genial primer plano —acusado en su
momento de demasiado ingenuo— de ambas en total conexión, que,
posteriormente, ha sido utilizado en alguna ocasión por otros
directores, pero que nunca se ha superado en el clímax conseguido por la
aparición de los rostros integrados, en una muestra más de la enorme
habilidad del realizador para explorar el interior de los seres a través
del rostro humano.
Sin embargo, esta dominación no me parece, en absoluto premeditada, no
olvidemos que la actriz se encuentra aislada con la enfermera debido a
unos problemas mentales difusamente planteados en el film, que le
impiden voluntaria o involuntariamente comunicarse verbalmente. Parece
evidente que existe una voluntariedad en la falta de habla en la actriz,
que obedece más a una toma de postura ante la vida que a un intento de
dominación sobre otras personas. Cuando deja de hablar —en una
representación teatral, su trabajo— no se plantea ninguna relación de
dominio sobre los demás, simplemente decide que su forma de vida y su
trabajo son accesorios para su existencia y decide prescindir de lo
accesorio para concentrarse en lo esencial buscando una respuesta a su
angustia existencial.
De esta forma lo que la película propone, es el enfrentamiento entre
dos personas, en todo el significado de la palabra persona, con
diferentes planteamientos existenciales, así como el conflicto y la
simbiosis que se produce entre ellas, a lo largo de su enfrentamiento,
aunque parece que el director toma partido, eso sí, en el sentido de que
la persona de planteamientos más puros y esenciales prevalece sobre la
otra, más terrena y con más necesidades.
En la base del film Bergman trata de realizar una exposición del vacío
existencial de las personas, el terror a la nada y a la falta de
significado de sus vidas que es la razón por la que la actriz,
consciente de esa nada, considera inútil su actividad, de ridícula
importancia frente a la magnitud de ese vacío y el terror que genera. La
consciencia de la muerte como desaparición total y absoluta planea
también, de este modo, en la película como en tantas otras en la obra de
su director.
Además, el hecho de que la actividad de la protagonista sea actuar,
junto con el juego de imágenes aparentemente —solo aparentemente— ajenas
a la trama que Bergman utiliza desde el mismo comienzo —espectacular
por lo inhabitual— del film son elementos que le permiten al director
extenderse en una reflexión sobre la representación y la realidad, sobre
la apariencia y la verdad también presente en otras películas suyas. La
máscara, como símbolo de representación y de ocultamiento de la
realidad. (Tomado de Tren de Sombras)
Ingmar Bergman's 1966 film, photographed by Sven Nykvist, begins when
famous actress Elisabeth Vogler (Liv Ullmann) freezes on stage in the
middle of a performance. Struck dumb by an unknown cause, she winds up
in the care of young inexperienced nurse Alma (Bibi Andersson), and
together they retreat to the seaside for the summer, where they enter
into an uncommon intimacy and clash of wills. Bergman's study of the
fragility of the human being and the treachery of life is incredibly
moving in its perception and unrivaled imagery. And as always with
Bergman and his reappearing ensemble of actors, the performances are
flawless. Especially notable is the scene in which Alma recounts for the
silent Elisabeth a morally and emotionally ambivalent erotic encounter
she had experienced on a beach with a friend and two teenage boys. It is
one of the most strangely erotic scenes ever filmed, and not a stitch
of clothing is removed. Also of interest, and one of the most intriguing
scenes in the film, perhaps among the most intriguing in all of cinema,
is when Elisabeth paces barefooted back and forth over a patio on which
we know there to be broken glass. It is an achievement in simple
suspense from which many an aspiring director of thrillers could learn a
bit. For those who've had their fill of predictable plots, irrelevant
matter, and apish acting and are looking for something a little more
sensual, poetic, and relevant to what life is about beyond the daily
grind, this may be a good place to start. --James McGrath
"No conozco a nadie que sepa tanto sobre el ser humano como Bergman." Max von Sydow
"Tengo la sensación de que en
Persona he llegado al límite de mis
posibilidades. Que en plena libertad, he rozado esos secretos sin
palabras que sólo la cinematografía es capaz de sacar a la luz."
Ingmar Bergman
BR rip propio de la edición Criterion bajada de rutracker
Todo el texto es de la publicación original (2010) del amigo saynomoreglass
Old Joy no es un relato de argumento fuerte sino una gran película de climas y sensaciones, contada en tiempo presente pero inclinada a mirar hacia el pasado, un pasado que ya no volverá y que ilumina el presente con melancolía y dolor. Los diálogos y los silencios de Mark y Kurt dejan oír cómo cambió su amistad, cómo la vida los fue transformando, cómo el tiempo no vuelve. También se oye la naturaleza, y se ve. Las imágenes y sonidos de esta película –que hacen pensar en un Terrence Malick intimista– nos envuelven, nos transportan, nos conectan con el mundo y con un cine tan tenue en su relato como visceral en sus emociones. (BAFICI)
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